Fondo de armario

El miércoles a las 10 de la mañana se presentaba la nueva colección de Organic by John Patrick en Nueva York. Esta era la primera vez que John se decidía por un show en movimiento, una pasarela en vez de una presentación estática, pero no parecía muy preocupado por la logística. Al contrario, mucha emoción y satisfacción al sentirse arropado por amigos como la modelo Shalom Harlow a la que abraza en la foto de arriba tras el show. Ayer pude charlar un rato con él y esto es lo que me contó:

Gran colección, John. ¡Felicidades! Tengo la impresión que esta es más lujosa que las previas. ¿Es algo premeditado o solo una apreciación personal mía? Es más lujosa que nunca. Tienes un ojo asombroso. Encajes de oro hechos en la India mezclados con cachemiras y sedas, y estampados realizados por Joe Duke de Londres… todo ello ha llevado la colección a un nuevo nivel. Quiero llegar a la mujer moderna real y global.

¿Cuál ha sido el reto de esta colección? Lo que es un reto es mantenerte centrado en seguir el camino apropiado para hacer ropa moderna y no prendas que parecen de tiempos pasados.

Esta ha sido tu primera colección presentada mediante desfile, ¿cómo has vivido la experiencia? La pasarela es lo mismo pero solo que más rápido. Yo la prefiero por su espontaneidad. De hecho nosotros mandamos afuera a una chica con el mismo look dos veces por error. Pero los que allí había eran amigos y familia, así que estábamos en confianza.

¿De dónde son los tejidos de esta colección? Los hay de Japón, India, Perú, América, Italia y Mongolia. He recorrido todo el mundo.

A mí me han gustado en especial las prendas en piel. Las pieles son italianas, de curtido vegetal. Son las de mejor calidad de una empresa familiar.

¿Cómo surgió la colaboración entre Organic y Raleigh Denim? Mi equipo los conocieron el año pasado. Son una pequeña empresa que respeto y pensé que sería significativo trabajar con ellos. ¡Somos americanos después de todo, así que los jeans están por todas partes! Y es bueno dar apoyo a empresas jóvenes que trabajan de forma justa y correcta.

http://organicbyjohnpatrick.com  

Son hermanas, de Asturias y han creado la marca xoanyu. No digo más porque lo realmente interesante es lo que Roxana y Yolanda nos cuentan en esta entrevista. Solo voy a añadir que son unas de las diseñadoras más sensatas y centradas que he entrevistas y que si me sorprendieron con su colección de otoño/invierno de aires vintage me ha descolocado (muy agradablemente) con su propuesta de primavera/verano de inspiración ochentera llebna de color. Que hablen ellas… 

¿Cómo llegáis al mundo de la moda? En realidad no pensábamos dedicarnos profesionalmente a la moda (aparte de moda tenemos otros estudios universitarios). Esto ha ido surgiendo de forma espontánea más como una afición que se ha ido convirtiendo en una necesidad  vital y espiritual.  Eso que llaman “sentirse realizado haciendo algo” con todo lo pretencioso o pedante que pueda sonar. En nuestro caso es así. Esa necesidad es una forma para nosotras de poder canalizar todas las cosas que nos tocan (cine, música, arte, lo social, ciertas conductas, expresiones…) en algo que nos apasiona, el vestir  y lo que implica vestirse para los demás en la época que nos toca vivir. Nos gusta poder dar forma a un universo visual y emocional en donde converge pasado, presente y futuro, sentimientos, identidades, cosas que nos han marcado, corrientes nuevas, ideas absurdas que van cobrando forma…

¿Hay antecedentes familiares en esto de la moda? A nivel moda en nuestra familia siempre hemos tenido referentes femeninos. Nuestra madre dice que en lo creativo salimos a ella. Ha sido el centro de todas las miradas por sus creaciones y pionera en llevar ciertas modas. Pero ha sido amateur, nunca comercializó nada, hacía su ropa y cuando éramos pequeños (somos cuatro hermanos) también creaba auténticas joyas con su estilo personal para nosotros. Esto lo hemos vivido como algo natural y supongo que a nivel inconsciente ha sido una referencia muy grande. Luego, en lo emprendedor como referente más cercano tenemos a nuestro abuelo paterno. Nunca nos habíamos planteado que genéticamente estuviésemos predispuestas hacia algo pero puede ser una explicación. De alguna forma cuando estábamos en otras actividades ajenas a nuestro proyecto personal este siempre volvía a nosotras como una necesidad. En principio nos lo tomamos más como hobby y nuestros primeros proyectos de moda no tenían una finalidad comercial. Pero desde la creación de xoanyu empezamos a plantearnos también la vertiente empresarial y nos resulta igualmente fascinante. En cierta forma, ahora mismo, es la que nos impulsa a seguir adelante con mucha motivación estimuladas por el reto.

¿Dónde estudiasteis moda? Estudiamos moda en diversas escuelas pero no nos gustan los sellos escolares. Nos sentimos autodidactas y outsiders en el sentido de que nuestra forma de trabajo es personal y  sobre todo, el fruto de horas de trabajo e investigación posterior a la formación en la escuela. Han sido muchas horas de ensayo-error-búsqueda de soluciones y superación personal.

¿Habéis trabajado para otros diseñadores? No hemos trabajado para otros diseñadores. Eso  pensamos que ha potenciado un estilo con identidad propia. No queremos seguir estelas, queremos tener nuestra propia evolución y asumimos todos los riesgos que ello pueda conllevar.

¿De qué va Flow Colour Hit? “Flow colour hit” refleja la vitalidad y las ganas de buscar una salida positiva al gris de la vida. Es la necesidad de hacer un break, desconectarse y relajarse, no tomarte nada en serio, ni siquiera a ti mismo. Está inspirado en lo que vemos en las redes sociales, en como estas han revolucionado las relaciones sociales. Buscamos un punto de inflexión a las “normas de estilo”: también se puede ser sexy con siluetas extra-large, ¡RELÁJATE! Entonces pensamos: hay que volver a los 80’s. Pero una década tiene muchas vertientes y elegimos el hip hop old school y la libertad de ser y sentir. También para recuperar algo que en esta década (en los 80s) era completamente nuevo, arrogante y rebelde… La inspiración la encontramos en muchas películas de temática baile de los 80s pero fundamentalmente Beat Street y Breakin.

¿Cómo habéis pasado tan drásticamente de un concepto ‘retro’ como el que se percibía en la anterior colección a una actitud tan pop y urbana como la de esta colección de primavera/verano? Era demasiado sencillo seguir en la misma línea de producto pero esto no nos producía motivación. En moda la gente está acostumbrada a repetir patrones y estilos. Esto lo justifican alegando que es para mantener la identidad de firma. Pensamos que la identidad de firma no se pierde arriesgando, más bien al contrario. Teniendo en cuenta que muchas firmas se inspiran en otras firmas, la única opción que te queda es arriesgar, crear estilo, ser referencia. Entonces te dices, que vayan por detrás. Tampoco es ninguna estrategia, es nuestra forma de ser, de ver la vida, de entender la moda. Siempre hemos sido muy inquietas.

Así que lo que podemos esperar son sorpresas cada temporada. Nuestra intención es seguir con esta dinámica, forma parte de nuestra esencia como firma y nuestra forma de ser. No nos gustan los lugares cómodos porque pensamos que nos debemos a un público exigente que busca productos realmente diferentes que le aporten un plus de contemporaneidad. El reto para una firma pensamos que está precisamente en esto, seguir manteniendo identidad de firma ofreciendo líneas nuevas que responden a la dinámica y las necesidades del tiempo en el que vivimos. Por otra parte  no somos una gran empresa haciendo pronta moda para masas. Somos creadoras, tenemos que crear, evolucionar e inspirar. Y en último caso, no queremos aburrir  porque fundamentalmente hacemos moda para huir precisamente de la rutina. De otra forma, para nosotras no tendría sentido.

Me gustan vuestras colecciones porque no imponéis un canon de belleza. La pueden llevar altas y bajitas, gorditas y delgadas… ¿Sois conscientes de ese efecto? ¿Es algo premeditado? Por suerte hay un cambio de mentalidad y la gente empieza a darse cuenta de que la sensualidad está en la personalidad que se refleja en la forma de interpretar la ropa, de moverse, de gesticular…  para nosotras al menos esto es básico. Nos gusta pensar que hacemos ropa para gente que tiene personalidad, cultura, ideas propias y que por supuesto, se siente guapa sin tener que cumplir ciertos cánones estéticos. Si la ropa que creamos va dirigida a estas mujeres, es lógico que las chicas de las editoriales que protagonizan cada colección respondan a estas expectativas.

Muchos jóvenes diseñadores como Juan antonio Avalos o El Delgado Buil están cerrando su actividad. ¿Cómo veis el panorama de la moda española en este momento? La moda española en realidad nunca ha tenido identidad como tal. En cualquier caso, nuestro proyecto es vital y personal, estamos al margen de una identidad local, de políticas y entramados incoherentes y confusos que no sabemos muy bien cómo funcionan.  Nuestra concepción de la moda y lo que estamos experimentando ya anteriormente a la creación de xoanyu es que conectamos más con el mercado asiático. Tienen una concepción de la moda que evoluciona más rápido, más fresca y dinámica, con menos prejuicios. Por otra parte, la única esperanza para cualquier proyecto, más aún para la moda, es la internacionalización. Siempre nos hemos centrado en nuestro trabajo, en superarnos, crecer y hacernos cada día más visibles porque tenemos muchas cosas que expresar a través de la moda.   

¿Cibeles (Mercedes Madrid Fashion Week, perdón) es algo que os llama la atención o el tema de pasarela no lo veis prioritario? Algunas de nuestras mejores experiencias las hemos vivido desfilando con reconocimientos en diversos certámenes anteriormente a la creación de  xoanyu. Cuando acabas de salir de la escuela en cierta forma lo que se espera de una firma joven es la creatividad por la creatividad a expensas de lo comercial. Curiosamente nosotras que  siempre nos ha gustado mucho la calle y lo social, nos adaptamos a la moda como concepción artística por esas exigencias de guión y lo disfrutamos mucho hasta que vimos que ya no había hueco para lo artístico por lo artístico. De hecho, algunas de nuestras mejores creaciones (las más complejas y especiales) se quedaron en el boceto. Fue entonces cuando nos adaptamos nuevamente a lo comercial en donde siempre nos hemos sentido cómodas. En estos momentos de nuestra trayectoria, desfilar o no, es algo que no nos parece en absoluto prioritario. De nada sirve tener un proyecto de moda que sólo es viable para la pasarela. Ayudar a los nuevos valores con una plataforma que no transciende mediáticamente mucho más allá de nuestras fronteras, es fomentar ilusiones ficticias. Nuestras necesidades ahora son otras. No necesitamos subirnos a una pasarela para comunicar y crecer. Tampoco lo descartamos, es un canal de comunicación más. Pero nos hemos vuelto más realistas, estamos más enfocadas en la empresa, en la internacionalización, en mejorar la imagen. Y esto es lo prioritario. Desfilar sólo puede verse como una vía comunicativa más, no como base de un proyecto.

¿Cuál es vuestra estrategia de comercialización? Hemos asistido a alguna feria nacional como Daisymarket y diversos showrooms colectivos como el Ego de Cibeles (aunque en este último anteriormente a xoanyu). Este  año en la edición de julio asistiremos a The Brandery (Barcelona) gracias a un premio que esta feria nos otorgó durante la última edición de  FittingRoom. El mercado asiático ha sido un referente muy importante desde la creación de la firma (el propio nombre xoanyu es un guiño a Asia con el que nos sentimos muy identificadas). Curiosamente sin buscarlo,  el mercado asiático siempre se ha interesado mucho en nuestra firma. Existe un feedback realmente bueno, no pretendido pero que nos resulta muy gratificante. En Facebook por ejemplo en estos momentos aproximadamente el  50% de nuestros seguidores son asiáticos.

¿Cómo está funcionando la tienda on-line? La tienda on-line son las arterias de xoanyu, la que nos conecta con nuestros clientes. Cuando alguien compra un producto on-line que ni siquiera se ha podido probar es cuando realmente te das cuenta de que lo que estás haciendo tiene sentido. Estamos muy satisfechas con la e-shop porque las ventas on-line te conectan con personas de todo el mundo y es una forma de acercamiento al cliente final.

¿Cómo es trabajar con tu hermana? ¿Se puede desconectar el trabajo de la vida familiar? Trabajar juntas siendo hermanas es muy visceral y profundo porque los recuerdos más especiales, los que posiblemente más nos hayan marcado, los hemos compartido y por supuesto, son parte de la esencia de la firma. También sentimos que es una relación sincera, algo que pensamos es totalmente necesario cuando ya no sólo es un proyecto creativo sino empresarial. Lo sabemos prácticamente todo la una de la otra (los puntos fuertes y los débiles) y aunque partimos de una base cultural similar y compartimos gustos e inquietudes, nuestra forma de enfocar y visualizar es muy distinta. Por eso cuando nos ponemos de acuerdo en algo (lo que implica “un pacto”) sabemos que hemos equilibrado la balanza y que el resultado será acertado.  En realidad no se puede desconectar: seguimos siendo hermanas en el trabajo pero también socias. Para nosotras este vínculo es una ventaja porque lo emocional está muy presente y es primordial en el proceso de creación.

¿A dónde queréis dirigiros en un futuro próximo con vuestra marca? En estos momentos estamos desarrollando una mejora de la imagen gráfica y web.  A un mismo tiempo, toda nuestra proyección, pasa por la internacionalización.

xoanyu.blogspot.com

Fotos de Pedro Reguera

El otro día, hablando con Miguel Palacios, me decía que los periodistas de aquí somos hipercríticos con la moda española y complacientes con la que viene de fuera. Y no pude menos que darle la razón. Repasando mi último texto sobre Cibeles (perdón, MBFWM) me dio la impresión que ODIO la moda española, y no es cierto para nada. A mí me apasiona la moda española y por eso quizás soy tan duro con ella a veces, porque creo que dejamos escapar oportunidades importantes que podrían dirigir al sector a una meta brillante. Como no quiero que quede de mí esa impresión de crítico de moda al que todo le apesta y que está instalado en el convencimiento de que él con solo coger unas tijeras y unas viejas cortinas seguro que hacía una colección mucho mejor de las que se presentan en la MBFWM… como no quiero, que se piense de mí eso, repito, aquí os dejo una mirada amable (y sincera) de lo visto en Cibeles.

Me emociono cuando Carlos Diez Diez sale saltando a saludar a la concurrencia derrochando una energía propia de un pícaro ser del bosque encantado tipo fauno o leprechaun, siempre happy happy y contangiando su buen rollo. De Carlos me gusta cómo siempre esa manera de fusionar lo que es la moda y el diseño más puro y sofisticado con el street wear más funcional. Ya se vaya al Tirol por unos minipantalones con tirantes o viaje a la India y convierta unos cuellos desestructurados en el velo de un sari que envuelve la cabeza, el caso es que el resultado es genuino e intransferible. Por eso me llevé un susto de muerte, porque cuando empezó el desfile (compartido con María Escoté) pensé que lo primero que se presentaba era suyo y me quedé ojoplático preguntándome “¿qué le ha pasado a Carlos?”. Con el corazón encogido estuve hasta que el desfile terminó y salió María a saludar. Eso ya me cuadraba.

Me emociono con el virtuosismo de Ion Fiz al confeccionar un mono con mano de couturier. Fiz es un superviviente, alguien que se ha visto obligado a reinventarse en más de una ocasión, sólo para mejorar y crecer. Pocos como él comprende la evolución que la costura ha sufrido en estos últimos diez años, los que lleva en el oficio, más o menos como yo. Quizás por afinidad generacional, o quizás porque simplemente siempre me ha caído muy bien, Juanjo (Ion) es mi apuesta segura por la alta moda española. Ninguna de sus piezas es fruto de una idea fácil, sus fuentes nunca son obvias… Sí, podemos decir que esta colección es muy años 40, quizás, pero está construida desde la perspectiva del siglo XXI sir recurrir a clichés estéticos.

Me emociono cuando mis expectativas se cumplen al ver desfilar a un Leandro Cano cuya colección palpé hace unos meses en Sevilla y en este blog lo conté. Se merecía estar en Ego y ver sus creaciones en ese marco con los recursos de producción que conlleva. Leandro realiza en esta su colección de graduación un ejercicio de virtuosismo creativo incuestionable. Escuchad lo que os digo: conseguirá llegar a donde se proponga. Este tipo de riesgo conceptual es el que espero yo de un joven diseñador, quiero que me rete y mi abstraiga, cosas ambas que Leandro ha conseguido. Él es una pequeña muestra del buen hacer de la escuela de moda CEADE de Sevilla, no perdais de vistas a los chicos que de allí salen.

Y por seguir podría decir que me emociona como Ágatha demuetra su inmersión en una etapa de una nueva madurez estética sin traicionarse; o me emociona como Miguel Palacio demuestra que la vieja guardia puede aún dar lecciones a los que llegan; o me emociona como Etxebarría nos lleva al límite de la elegancia avant-garde masculina… pero eso lo dejaré para otro momento, más en profundidad.

Así que al próximo que ose especular con que odio la moda española que se tenga a las consecuencias.

Hoy he despertado con mi capacidad de tención mermada y en vez de repasar qué nos depara la ex-Pasarela Cibeles he empezado a preparar mi calendario personal de la siempre mutante e inabarcable New York Fashion Week. A los tres minutos de empezar el desfile de Roberto Torreta he perdido todo interés y me he puesto a escribir este texto, esta inquietud que quiero compartir con vosotros. ¿He perdido la ilusión por la moda? No, definitivamente no. Lo que pasa es que La Pasarela Anteriormente Llamada  Cibeles es tan previsible que el mayor atractivo que encuentro en ella es pillar las referencias explícitas que los diseñadores hacen a otros diseñadores internacionales y a las colecciones de éxito de temporadas pasadas.

En ese sentido la de Victorio & Lucchino ha sido una de las más excitantes. En pleno umbral de una amenazadora ola de frio siberiano Victorio & Lucchino nos llevan a la Rusia más profunda y oriental, al comunismo folclorista de aquella distante cara del Telón de Acero de finales de los 60 y principios de los 70. Si Yves Saint Laurent dejó en la historia su famosa Russian Collection, Victorio & Lucchino ya tienen su Colección Mongola (no seáis malvados, me refiero al imperio Mongol y sus vestigios en el siglo XX). Y a pesar que a cada salida me gustaba más esta abigarrada propuesta no podía desdeñar un sentimiento tipo déjà vu que me hacía preguntarme dónde había visto yo eso antes. ¿En Oscar de la Renta? ¿En Carolina Herrera? Fue la gran Eugenia de la Torriente la que me iluminó con un comentario en Twitter que decía “nunca pensé que vería a Victorio&Lucchino queriendo ser Miu Miu”.

¡Pues claro, cómo puedo ser tan lerdo! Si lo he estado viendo en las páginas de publicidad de las revistas durante seis meses. En fin, las ideas están ahí para hacer uso de ellas y no creo que Miucca haya patentado el estilo ruso-bavaro-mongol.

A mí me estimula que Victorio&Lucchino se reinvente aunque sea en clave de otros diseñadores y otras temporadas. Con lo que no puedo es con el inmovilismo. Por ejemplo Elisa Palomino, instalada en la Belle Epoque por siempre jamás. Un estilo que funcionaba años (décadas) atrás cuando Anna Wintour descolgó el teléfono para decirle a los principales diseñadores que estaba hasta el moño del minimalismo y que Vogue iba a apostar decididamente por el ‘nuevo romanticismo’. Hoy creo que ya hemos pasado esa página y estamos en otra historia. Además, ¿a qué viene ese decisivo esfuerzo por colocarle un tocado a cada uno de los modelitos? No entendí la excitación que Palomino levantó en el sector cuando aterrizó en Cibeles y sigo sin encontrarle el punto. Pero mi opinión y mis gustos solo son eso, algo personal e intransferible, pero no encuentro mérito en colecciones cuyo principal atractivo reside en las maravillosas telas que utiliza.

Lo de Montesinos solo tiene un nombre: montesinada. Con eso está dicho todo. Pero lo que sí me gustó fue el trabajo de Modesto Lomba, que todos sabéis que forma parte de esa vieja guardia que no es santa de mi devoción. La colección de febrero de 2011 la tildé de magistral, y en esta ocasión me ha mantenido con el corazón en la boca y el alma en vilo. Os explico por qué: Modesto ha cogido los estándares más rancios del repertorio de la moda, entre los que se incluyen los vestidos Jackie O o las capelinas con ribetes de piel, y les ha dado un giro interesante.  La dificultad era mantenerse en ese límite que hace a lo rancio reformado en algo moderno e novedoso sin dar un resbalón… y no lo dio. Para que os hagáis una idea, ver su colección fue como ver a un jugador de futbol en posesión de la pelota que recorre todo el campo regateando a los adversarios y que mete el gol al final a pesar de que pensabas que no lo conseguiría. Bueno, en las propuestas masculinas estuvo farragoso, pero como el hombre no es su objetico primordial me da igual. En peletería igual, ha cogido las pieles con cortes de pelo menos agradecidos y las ha trabajado de una manera moderna y atractiva. 

No puedo decir que la colección del diseñador Jorge Acuña presentada en el Museo del Traje fuera una sorpresa, no en todos los sentidos al menos. Si bien ha resultado una propuesta que me ha movido por dentro, es algo que ya esperaba de este joven couturier gallego al que sigo desde hace un par de temporadas con devoción. Con esta su nueva colección me ha dado la excusa justa y necesaria para que departiéramos un rato sobre ella y la Costura en España:

Esta ha sido una colección brillante, ¿tiene título? No, no tiene título, queríamos que la protagonista fuera la colección, el trabajo que tras ella, y no el concepto, por eso simplemente la hemos llamado Colección de Costura Otoño/Invierno 2012.

Percibo un concepto más arquitectónico en las prendas que en colecciones pasadas, con más protagonismo de las estructuras, ¿es así? Sí, es una colección de ejecución muy compleja porque se basa en estructuras muy rígidas pero a la vez de aspecto muy orgánico. La idea tras esta colección son los insectos y surge porque queríamos plasmar un equilibrio entre el pasado y el futuro, así que pensamos que los insectos representaban justo eso, ya que su origen se extiende en el tiempo hasta la prehistoria y su imagen es muy futurista sin embargo.

Es grato ver cómo pones en valor la complejidad frente a lo simplemente suntuoso. Últimamente en París, que es punto de referencia de la Costura internacional, se ha venido dando un giro hacia un concepto menos espectacular, más pegadas a tierra, que están más cercanas al prêt-à-porter de lujo que a la Costura propiamente dicha. Sí, quizás existe un propósito en acercar la Costura a la calle. Nosotros procuramos también que exista una conexión entre la colección y las necesidades reales de las clientas. De hecho la primera parte de esta colección integra mucha sastrería porque dadas las herramientas que utiliza, la dificultad que supone y los tejidos que se emplean se pueden extrapolar a la Costura. Pero sin duda yo creo que el objetivo de la Costura es hacer algo realmente exquisito.

Lo que es una lástima es que en España hayamos perdido la cultura del vestir de gala. Los americanos han sabido por el contrario conservar el gusto por los eventos de gala. Eso limita mucho el mercado de la Costura en España, ¿verdad? Hoy día no son tan habituales las fiestas de sociedad y por tanto hay menos ocasiones para vestir de Costura. Somos conscientes de que la mayoría de nuestras clientas recurren a ello para las bodas, que se ha convertido en el evento social por excelencia.

¿Cuál es el sello personal que tratas de imprimir a tus creaciones? Yo siempre procuro conjugar elegancia, creatividad y calidad. También es importante aplicar conceptos de vanguardia pero sin perder en ningún caso la elegancia, que es irrenunciable.

¿Tienes una clientela ‘dócil’? ¿Se deja dirigir por el ojo experto o tienen las ideas muy claras cuando llegan a tu taller? Procuro no imponerles nada, para mí lo más importante es que la clienta se sienta cómoda. Es imprescindible propiciar esa sinergia que se crea entre clienta y diseñador cuando existe una buena comunicación. Yo trato de entenderlas y profundizar en lo que quieren. Es absurdo tratar de utilizarlas para proyectar mi ego, cuando lo que  cuenta es el ego de ellas y como lucen en mis vestidos. Yo sugiero, pero ellas deciden, aunque he de confesar que tengo una clientela muy receptiva.

¿Cómo has vivido esta tu primera presentación en el OFF de la Madrid Fashion Week? La he vivido con mucho trabajo, mucha ilusión. Me sentía con ganas y era una demanda que percibía.

Eso es algo que yo he intuido, qué curioso. Tengo la impresión que esta presentación responde más a un deseo de tu clientela que a una necesidad personal tuya. Bueno, un poco de todo. Yo tenía la necesidad de realizar una presentación de este tipo tras cuatro años con el taller y dos colecciones presentadas de una forma más privada. Creo que tanto mis clientas como la prensa querían algo así en este momento. En mi carrera siempre me he movido impelido por las necesidades de la clientela, como cuando abrí el taller, la demanda se había incrementado y las circunstancias me empujaron a dar el paso. Pero para un diseñador es muy estimulante ver sus diseños de esta manera: con música, maquillaje, movimiento…

www.jorgeacuna.com

Vuelvo tras unos días de desconexión forzada y me encuentro a las puertas de Cibeles. Perdón, Mercedes-Benz Fashion Week Madrid… juro que me va a costar no repetir mil veces Cibeles, son muchos años cronicando el evento madrileño para no haber cogido malos hábitos. Supongo que el cambio de nombre tendrá muchas ventajas, no lo sé, por lo pronto a mí me desespera porque siempre recurro a Google para buscar las páginas oficiales de estos eventos y resulta que metiendo Mercedes Benz Fashion Week Madrid en el buscador la página oficial no me aparece hasta la tercera pantalla (antes, metiendo Cibeles te aparecía entre los primeros resultado). Para colmo he recibido algunas invitaciones de diseñadores en que se me invita a su desfile pero solo reza “Mercedes-Benz Fashion Week” y no sé si tengo que irme a Nueva York, Berlín, Australia… Y es que me meto en la página oficial mbfashionweek.com y ¡¡Madrid no aparece!! Y eso me ha hecho meditar: ¿en base a qué criterios (y de quién) se toman las decisiones en política de moda (si es que hubiera tal cosa en España) en este país? Pues la verdad es que seguramente todo el diseño de políticas de fomento de la industria y la adjudicación de ayuda o subvenciones se realizan en despachos de gente que jamás habrán pisado un evento de moda, un atelier, un estudio de diseño o un taller de confección. Por eso se me ocurrió hace un tiempo, llevado por la vorágine de la toma de poder del nuevo Gobierno y el nombramiento de los nuevos titulares de las diferentes sedes ministeriales, preguntarle a algunos jóvenes diseñadores de muy distinto perfil que me dijeran cinco medidas que tomaría si ellos fueran ministros. El resultado es este…

SI YO FUERA PRESIDENTE…

Amai Rodríguez

¿Por qué Amai? Porque sus primeras colecciones en EGO me impactaron; porque me parece una chica muy sensata; porque a pesar de su gran talento ha optado por apartar la vanidad y dedicarse a formarse en profundidad; porque tiene sentido del humor como para relativizar todo esto de la moda… Y porque representa el perfil del joven diseñador con talento que no se deja deslumbrar por los focos de la pasarela.

“5 medidas qué implantaría para ayudar a los jóvenes diseñadores:

1. Que las escuelas estén bien dotadas con un buen profesorado, equipamiento y que proporcionen la mejor preparación posible en todos los campos, tanto creativo, como técnico y a la vez entrenamiento para el mundo real.

2. Proporcionar prácticas remuneradas en empresas a los jóvenes diseñadores.

3. Convocar premios que incentiven la creatividad, tanto monetarios como que ayuden al desarrollo de la marca o proporcionen proveedores, talleres de confección o que faciliten al menos en alguna de las fases de la construcción de una colección.

4. No somos una gran potencia en moda, pero estamos camino de serlo y deberíamos desarrollar el sector moda dentro del Ministerio de Cultura e ir más allá para conseguir una mayor publicidad y exteriorización de nuestro diseño nacional. Y alejarnos de una política de contactos y amiguismos. Así como una mayor información a los diseñadores sobre posibles subvenciones, colaboraciones o becas, a nivel individual o bajo la formación de algún colectivo para dicho sector.

5. Facilitar la comercialización a jóvenes emprendedores en toda España, ayudando tanto en la producción como en la permanencia a nivel nacional e internacional, es decir, impulsando el desarrollo de colecciones en diferentes países”.

Anjara

¿Por qué Anjara? Porque es mi amiga; porque estamos viviendo el emocionante momento de su consagración comercial; porque se lo ha currado hasta la extenuación; porque es una empresaria con los pies en el suelo y los ojos en el libro de cuentas… Y porque representa el perfil del diseñador que se da cuenta que para crecer y prosperar tiene que sacar la producción de sus colecciones fuera de España.

“Si fuera presidente (¡Dios quiera que no, qué horror!):

1. Obligaría a los alumnos de las escuelas de moda a realizar prácticas en empresas desde el primer año. Dichas prácticas se realizarían durante los meses de vacaciones de verano. El primer curso en empresas grandes que no les dejasen hacer nada más que ver y hacer recados. El segundo año en empresas medianas donde pudiesen hacer pequeñas cosas que fueran desde ayudar en el taller de muestras o producción hasta colaborar en temas de administración, en definitiva pequeñas cosas sin demasiada responsabilidad pero donde pudiesen ver y conocer todos los departamentos. El tercer año sería unas prácticas en empresas jóvenes y nuevas donde su experiencia serviría para apoyar al desarrollo de las mismas y donde serían más útiles y verían florecer los conocimientos adquiridos.

2. Enviar a los alumnos más emprendedores a hacer cursos a escuelas en el extranjero donde además de adquirir experiencia perfeccionarían un idioma.

3. Cambiaría el proyecto de fin de carrera incluyendo un estudio económico para que además de diseñar, hacer patrones y confeccionar estudiasen el valor de la prenda en el mercado, su coste, su rentabilidad, etc…

4. Incluiría idiomas entre las asignaturas. Al menos dos con vocabulario especializado para todos los departamentos de una empresa.

5. Realizaría visitas organizadas a fábricas, almacenes de logística y ferias de ventas internacionales con el fin de hacerles ver y entender el proceso real del producto y su finalidad.

Considero que actualmente los estudiantes no aprenden la totalidad de su carrera profesional siendo esta realmente amplia y las escuelas limitan los conocimientos a un 30% como mucho. La moda al abarcar tantas profesiones debería de tener diferentes especialidades a desarrollar a partir de un tercer año de estudio donde al menos la gran mayoría de los estudiante podrían decantarse por una u otra con una idea más clara”.

Paolo Coppolella

¿Por qué Paolo? Porque Paolo Coppolella Street Couture ya es la segunda firma que crea (la primera fue Retal Reciclaje Creativo); porque ha tenido las agallas de establecerse en España para trabajar viniendo de un país como Italia con infinitas posibilidades en el mundo de la moda; porque su diseño es pragmático y funcional; porque siempre está emprendiendo proyectos interesantes… Y porque representa el perfil del diseñador extranjero que se enamora de España y apuesta por ella.

“Con la premisa que no me gustaría ser presidente en estos tiempos, creo que algunas de las medidas que adoptaría irían hacia una dirección: poner en valor el made in Spain.

1. Reduciría el I.V.A. para 2012 a todas las empresas españolas que tengan menos de 5 años de vida. Esta medida debería ayudar a ser más competitivos sobre todo con respecto al diseño extranjero.

2. Bajaría el coste mensual de la seguridad social para todo 2012 y lo llevaría a 180,00€ mensuales con la obligación de reinvertir en el proprio negocio los casi 60,00€ de descuento que aportaría el Estado.

3. Me reuniría con portavoces y asociaciones del sector para oír propuestas y necesidades reales.

4. Abriría el plazo para préstamos especiales con la finalidad de llevar a cabo la internacionalización de las firmas/proyectos.

5. Realizaría campañas de sensibilización sobre el valor añadido que conlleva adquirir productos nacionales.

Estas obviamente son solo algunas de las medidas. Creo que serían veloces y directas, y útiles sobre todo a los más jóvenes”.

Krizia Robustella

¿Por qué Krizia? Porque es uno de los jóvenes talentos consagrados más destacados de este país; porque se curra su tienda de una manera brutal convirtiéndola en un motor creativo-cultural de Barcelona; porque ha demostrado con hecho que no cree que la moda sea una pelea por encontrar tu sitio desplazando a nadie, sino colaborando… Y porque representa el perfil del joven diseñador que trabaja de forma inteligente los micromercados y las micro audiencias.

“Si yo fuera presidente:

1. Potenciaría la consecución de sponsors o colaboradores para la realización de las colecciones.

2. Implantaría algún tipo de mecanismo para que los showrooms especializados estuvieran al alcance de los jóvenes diseñadores.

3. Facilitaría las uniones entre especialistas en marketing y comercio y los creativos de moda.

4. Otra gran asignatura pendiente es el tema de los espacios y tiendas donde vender las colecciones.

5. Es importante concienciar al público final de que consuma moda y arte.”

Resumiendo: Amai cree básicamente que el Estado debería llevar a cabo iniciativas que ayuden a los jóvenes diseñadores a desarrollar sus proyectos y mejorar su formación para encontrar un nicho de mercado; Anjara se centra en la formación de base y le gustaría una gran reforma estructura en la enseñanza de diseño y gestión de moda; Paolo se centra en las medidas fiscales que ayudaran a reactivar el mercado para los jóvenes diseñadores nacionales; y Krizia ve necesario un apoyo transversal, aunque las ideas bosquejadas entren dentro más de la iniciativa privada que en la potestad organizativa del Estado. Me gusta una idea que se ha repetido por parte de casi todo: el fomento del diseño Español fuera de nuestras fronteras (que se hace, pero más con un enfoque cultural que comercial). Personalmente me atrae más la idea de vincular la moda al Ministerio de Industria que al de Cultura, y creo que no sería tan gravoso para las arcas del Estado organizar expediciones comerciales que trajeran a los principales responsables de compras de los grandes almacenes más importantes del mundo (asegurándose que vienen primeras figuras, no el becario de turno que viene por compromiso a cubrir a su jefe). Yo lo haría coincidir con meses en los que el buen tiempo predominara y como ‘incentivo’ les regalaría a estos compradores unos días en un sitio paradisíaco de nuestra geografía. La fórmula de interactuación entre diseñadores y compradores habría que estudiarla: un showroom donde estuvieran presentes los diseñadores y sus directores comerciales, un programa de `presentaciones’ en el hotel donde se alojen los compradores, un circuito por los ateliers… no lo sé. Tampoco me pagan por pensarlo.

Gracias a Amai, Anjara, Paolo y Krizia por participar.

Hay veces que ves una colección y dices “¡ya está!, ¡ya no quiero ver nada más, vamos a dejarlo aquí!, ¡todo lo que vea después estará en desventaja si lo comparo!”. Pues es justo la reacción que suscita en mí las colecciones de Kris Van Assche, porque es uno de esos genios del menswear que hoy por hoy marca el camino por el que ha de andar el hombre. En esta colección presentada en París el diseñador mezcla influencias antagónicas, occidente con oriente, el profesional de chaqueta y corbata con el currante de mono. Es divertido como Van Assche hilvana el punto de fusión de estos dos últimos universos, la de los ejecutivos y los currantes, no sólo estéticamente sino conceptualmente a través de los movimientos sociales suscitados por esta crisis, ya que si antes eran los currantes los que llevaban ‘protecciones’ para afrontar su trabajo, ahora son los banqueros y los ejecutivos los que deberían provisionarse de buenas protecciones ante el enfado creciente de la sociedad. Durante el desfile se pudo ver parte de su colaboración con Lee. Aunque todo sea dicho sea de paso, a nivel personal me quedo con este cárdigan oversize con sabor a kimono… espectacular en su simplicidad.

Está claro que ya estamos sumergidos en París y sus propuestas de moda masculina. Atrás quedaron los hombres con traje sastre de ortodoxia indiscutible de Milán. Aquí, en la Ciudad de la Luz, hay que cambiar el chip (y el chic) porque se pregona otro estilo de hombre más inmerso en tendencias y propuestas al límite.

Aunque alguna propuesta en la línea milanesa nos queda por ver, como la de Ami Alexandre Mattiussi, que imprime cierto sabor collage otoñal a una colección para hombres reales con vidas reales que necesitan prendas resistentes, estilosas y discretas.

Pero si hablamos de estilo parisino el mejor ejemplo del día de ayer fue la colección de  Y Project by Yohan Serfaty, en la tradición de diseñadores como Rick Owens, Boris Bidjan Saberi, Rad Hourani o Damir Doma. Yohan Serfaty trabaja una silueta estilizada, futurista y dura, que de pronto se me antoja germana, no sé por qué.

Aunque sin duda uno de los platos fuertes de esta jornada de apertura fue la colección de Christian Lacroix, que entre las buenas ideas que baraja en esta ocasión, nos encontramos la reedición de un concepto que al diseñador le dio mucha suerte en su momento. Las cruces de piedras en los tops. En su momento lo hizo para la mujer y quedó en la historia de la muda cuando Michaela Bercu lució una en la primera portada de la era Wintour de Vogue América. Perdóneme, pero sin ver nada más de esta semana parisina, me atrevería a decir que estos jerséis con cruces serán el must del próximo otoño y lo veremos fotografiados hasta la saciedad de la mano de los mejores estilistas.

Vamos terminando con Milán que esta mañana comenzaron los primeros compases sobre las pasarelas parisinas. El último día de las presentaciones en Italia dejó una huella claramente identificativa de lo es Milán: moda de calidad, real, que intenta mantenerse al margen de las tendencias más volátiles… en definitiva ropa como inversión más que como capricho. 

El hombre dibujado para el próximo otoño por la línea Diesel Black Gold se mantiene firme en sus convicciones como urbanita joven y un tanto rebelde. Mucho cuero y punto que conviven con trajes de chaqueta de terciopelo y chaquetas bomber. Todo con cierto sabor setentero y donde se pone en valor el denim a través de vaqueros hechos a mano en Okayama y Los Ángeles mediante procesos tradicionales que les procura un look vintage. 

Si los hermanos Caten (DSquared²) en el concepto de esta colección han barajado la idea del “chico malo de buena familia” la forma de llevarlo a escena ha sido una colección de prendas atemporales, versátiles, fáciles de llevar… nada que pueda desecharse con un giro caprichoso de las tendencias del momento. Justo la ropa que una buena madre de familia compraría para un hijo díscolo. 

Rocco Barrocco es más de lo mismo: una colección joven, urbana, versátil, un tanto bohemia a ratos… Se nota que contiene su tendencia al ornato en post de un nuevo lujo más discreto e íntimo que reside en las calidades más que en los adornos. 

Gianvito Rossi por su parte ha presentado una colección de sneakers de calidad Premium de línea minimalista y factura más cercana al calzado artesano que al deportivo. Unos zapatos que se confieren en verdaderos comodines para looks semi-formales de los que no quieren renunciar ni a la sofisticación ni a la comodidad. 

Una vez más la casa Canali nos regala un ejercicio de exquisitez y elegancia para los sentidos. En esta colección realiza un homenaje a Londres y al espíritu ecléctico y creativo que ha caracterizado al genuino dandi. Las telas de Canali pocos rivales encuentran que puedan medirse con los mismos estándares de calidad y diseño.

También al caballero inglés nos lleva Roberto Cavalli con su línea CLASS, pero al lord inglés con aires bohemios que vive en Italia a principios del siglo XX tan bien retratado en la película de James Ivory ‘Una habitación con vistas’.

La primera colección de Dirk Bikkembergs creada por el diseñador Hamish Morrow no decepcionó, sino todo lo contrarió, ha supuesto un giro definitivo de la casa belga hacia nuevos terrenos urbanos y sibaritas, pero sin perder la vocación por el hombre deportivo.

Kean Etro puso la nota de color en una semana marcada por la sobriedad elegante. La casa Etro apostó por los colores cálidos y los aires bohemios y poéticos en clave de alta costura que nos deja piezas espectaculares como una chaqueta con cuello de plumas. No está nada mal que nos recuerden de vez en cuando que la moda no solo es elegancia, sino imaginación desbordada.

El punto de partida de la colección de Iceberg es el film Tiempos modernos de Chaplin, pero la firma ha conseguido una colección muy joven repleta de prendas comodín, con cierto halo años 30 que se evidencian sobre todo en uno pantalones que se alejan del omnipresente pitillo y homenajea las pinzas de toda la vida.

El 30 aniversario de Nicole Farhi nos deja una propuesta que trata de hacer una especie de world tour donde se descontextualizan técnicas del ayer, del hoy y del mañana en la confección de diversos rincones del planeta. Atentos a las maletas para ser llevadas a la espalda, todo un acierto para viajeros que van ligeros de equipaje.

Y por fin conocimos la primera colección del diseñador Paul Surridge para ZZegna. Una colección que huye de las propuestas de tendencia y se refugia en básicos donde la clave no está en el qué, sino en el cómo. Una colección que vale más analizada pieza a pieza que como conjunto, ya que la espectacularidad no está en la puesta en escena ni el estilismo, sino en las calidades.

Entre las presentaciones que nunca nos debemos perder está la de los Fratelli Rosetti, artesanos zapateros que siempre apuestan por la innovación artesanal. En esta temporada nos presenta la línea “All Over’ de zapatos coloreados unitono de la suela a las costuras. Cada zapato realizado por los artesanos de los talleres de la firma en Parabiago (Milán) requiere tres días de trabajo y son una definitiva apuesta por un invierno lleno de color.