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Archivo de Noviembre, 2012

En memoria de Enrique Parrilla

Viernes, 30 Noviembre 2012

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Me parece increíble la idiosincrasia de la moda que se hace en esta ciudad mía de Sevilla. Resulta que el martes empezó lo que se conoce como Moda de Sevilla, que otras veces he reseñado en este blog, y a día de hoy, que se clausura, no he recibido una comunicación oficial, una nota de prensa, un “hola qué tal”…. ¡Nada! Lo comprendo porque creo que es el ayuntamiento el lleva la comunicación directamente, y desde que surgió el evento es desastrosa. Otros años era el técnico del ayuntamiento encargado de esta cita, el desaparecido Enrique Parrilla, el que me llamaba directamente porque no confiaba en absoluto en que desde el departamento de prensa se pusieran en contacto adecuadamente. Creo que todos lo echamos de menos por su empuje, su profesionalidad y su calidez. El sector de la moda sevillana, que siempre se queja de lo poco que recibe, debería ser justo y organizar algún tipo de reconocimiento a su figura, porque Enrique (a pesar de que fuera su trabajo) ha hecho más por la moda de Sevilla que cualquiera de los galardonados con el Botón de Nácar hasta la fecha (o todos juntos, si me apuran).

Pero este sector en general es despreocupado, espera que se lo den todo frito y mascado. El único diseñador/firma que hasta el momento me ha enviado un mail/invitación es Tolentino, la magnífica firma de sombrerería. ¡¡Y sorpresa al leer la invitación!! Dice: “Colección dedicada a nuestro amigo Enrique Parrilla (Allí donde estés, esto va por ti)”. Y es que es verdad que me consta que son muchos los amigos que ha dejado atrás y para los que fue un mazazo su desaparición.

Desde el primer día en que lo conocí, ya no recuerdo ni cómo ni cuándo, hubo buena sintonía porque teníamos circunstancias vitales muy paralelas y nada fáciles. Más allá de esas afinidades lo que encontrabas en Enrique era una persona que creía en lo que hacía, que se preocupaba por los resultados, porque todos los participantes del evento tuvieran su sitio y salieran contentos, que la prensa fuera tratada con respeto… Lo que más me impresionó de él fue algo que traté de asimilar y poner en práctica: la capacidad de poner en valor y reconocer las fortalezas de la materia prima con que trabajaba y ser consciente de las limitaciones que se le presentaban. Él tenía claro que la moda de Sevilla, simplemente por recursos y localización, no podía tener ínfulas parisinas. Pero por otro lado poco le importaba, porque era capaz de reconocer otras virtudes en el sector y trataba de fomentarlas, por ejemplo la gran tradición sastre de esta ciudad.

Ayer hablé con algunos colegas que también tuvieron una relación directa e intensa con Enrique. Por ejemplo, Clara Guzmán, periodista de moda curtida en mil batallas, puntal informativo de la moda sevillana y autora de www.telademoda.com, me contaba que “Enrique Parrilla era un trabajador a la antigua usanza; sí, de esos que se quedaban satisfechos con el deber cumplido. Responsable y entregado, pero sobre todo y en estos tiempos en los que todo el mundo quiere figurar, era el eficiente segundón que está siempre a la sombra pero dando mucha luz. Recuerdo su amplia sonrisa y su bondad sin alharacas. Era un hombre de bien y creo que con eso queda dicho todo”.

Por su parte, Sergio Morantes, periodista de Canal Sur, también me brinda su recuerdo de Parrilla. “Para mí Enrique era el solucionador. ¿Cómo explicarlo?” me dice. “Cuando él aparecía es como si no hubiera problemas. Nunca puso una objeción para el trabajo de los compañeros y además tuvo una virtud  de la que, desafortunadamente, se carece ahora mismo: él tenía un ojo clínico para descubrir a las personas válidas. Pocas personas poseen esa inteligencia innata y ese saber estar”. Además Sergio también hace hincapié en el trato prioritario que le daba a la prensa conocedor de la importancia de esta. “En una ciudad como ésta, en la que no se valora lo que no hay aquí, él me colocó junto a expertos de moda para defender la forma de vestir de los andaluces. Para mí fue una demostración de cariño y de reconocimiento brutal”.

La espléndida diseñadora de complementos Nuria Cobo es quién me ha cedido la foto (en la que aparece Enrique con la encantadora diseñadora Ángeles Verano) sacada de su blog elblogdenuriacobo.blogsport.com que preside este post, y me dice al respecto que sin duda “fue una persona queridísima por todos. A nivel profesional, por su enorme valía y dedicación a los que nos dedicamos a la moda, siempre pendiente de todos. Consiguió forjar una relación personal a través de su entrega profesional. Nos conocía, le preocupaba de verdad que salieran las cosas lo mejor posible, y su presencia era fundamental en un evento como la semana de la moda de Sevilla, que ahora celebramos. Era el trato cercano del que se interesa y cree en lo que hace. Sé que ha dejado una honda huella en muchos profesionales de la moda sevillana”.

Pues lo dicho. Esta reivindicación de su figura es un sentimiento compartido. No sé cómo se mueven estas cosas, pero alguien debería ponerse manos a la obra para hacer algo al respecto.

Grace y su verdad edulcorada

Martes, 27 Noviembre 2012

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No quería abordar el tema de la biografía de Grace Coddington sin haberla leído previamente. No la he terminado, he ido a capítulos de su vida que me interesaban especialmente, y así contrastar qué grado de similitud encontraba con lo que públicamente se sabe de ella y aquellos episodios que han construido su mito. Sí, mito, por mucho que Grace insista en recalcar desde el principio del libro que ella era una persona anónima hasta la irrupción en su vida del documental The September Issue, lo cierto es que ella ya era un personaje con dimensiones de leyenda dentro de la industria.

Me ha parecido en líneas generales que su relato de la historia es bastante honesto, incluso reconociendo que ella no es precisamente una persona fácil. Si bien parece que en el imaginario popular se ha forjado la idea de que el tándem Wintour/Coddington es un arquetipo del poli bueno/poli malo, lo cierto es que quienes trabajan con ellas saben que el poli bueno debe estar de baja por depresión desde que ambas arribaron a Vogue USA. Pero Grace no lo esconde, y eso le honra.

Para ser franco lo que más me interesaba de la historia (aunque a posteriori me ha enriquecido mucho otros pasajes) es la relación que mantuvieron Coddington y Wintour en la etapa final de la primera en Vogue (Reino Unido) y su reencuentro en Nueva York cuando Anna está a punto de coger las riendas de Vogue USA. Mi principal fuente de contraste es la polémica biografía no autorizada de Anna firmada por Jerry Openheimer (Front Row. Anna Wintour: What lies beneath the chic exterior of Vogue’s Editor in Chief). Lo primero que contrasté fueron los motivos de que Grace abandonara su reino dorado como directora de moda en Londres para convertirse en la directora de diseño de Calvin Klein. Y aunque el motivo de fondo es el mismo, Grace tiende a edulcorarlo y banalizarlo porque supongo que pretende seguir trabajando y no recibir el finiquito.

Grace dice que cuando Anna llegó a Vogue (UK), como paso preparatorio a su derrocamiento de Grace Mirabella en Nueva York, todo cambió en la revista. El nivel de exigencia de Anna y su obsesión por el control de cada foto, su total cambio de métodos en una revista de empleados hasta cierto punto relajados… Todo eso hizo que Grace aceptara la propuesta de Calvin, a la vez que, dice, aprovechaba para afianzar una relación incipiente con su actual pareja. Grace tiene la suficiente habilidad para soltarnos el mote que la prensa le puso a Anna y que tanto la molestaba, “Nuclear Wintour”, sin que Anna pueda molestarse puesto que lo hace como reproche a esos medios que la atacaron (aunque si de verdad la apreciara simplemente lo hubiera omitido, ¿no os parece?).

Lo cierto es que Openheimer recoge una serie de declaraciones de ex-empleados de Vogue y amigos de Grace de aquella época que ponen nombre a lo que Anna hizo con Grace: moving. Anna allá donde llegaba marcaba su territorio, y en Londres se encontró con la reina Coddington y la ambiciosa Liz Tilberis aliadas como viejas amigas. A las dos les terminó haciendo la vida lo suficientemente “agradable” como para que aceptaran otros puestos en otros lugares. Incluso humilló a Grace en una ocasión (que se sepa), que se cuenta en el libro de Openheimer, sacando a la directora de moda de un almuerzo para que acudiera al despacho como si fuera una simple asistente.

No sorprende que Grace saliera pitando de allí, lo alucinante es que cuando se enteró de que Wintour se hacía con el control de Vogue USA se precipitara en llamarla y pedirle estar en su equipo. Anna no lo dudó, la citó en Da Silvano a las seis y fue directa al grano: “Empiezo el lunes. ¿Quieres empezar conmigo?” ¡Qué generosa! ¿O no? No. Hay que verlo de esta forma: Simplemente Anna había amaestrado a un buen perro de raza y rebelde. Lo había apaleado para que aprendiera quién mandaba y cuando el perro había bajado la testa y suplicado su mano en el lomo, no dudó en aceptarlo en su indudable posición de dominación. (Anna siempre ha tenido tendencias dominadoras, o así lo cuentan quienes vivieron la relación con Georgia Gunn, su asistente en Viva y New York Magazine).

Hay que leer ambos libros mencionados. Imprescindibles.

Yoko Ono diseñadora… también

Jueves, 22 Noviembre 2012

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Me parece total Yoko Ono. La mujer que (se dice) destruyó a The Beetles ahora se convierte en diseñadora. No es una vocación nueva, sino que ha retomado una idea/proyecto de 1969. Nuestra incombustible amigo Yoko ha rescatado una serie de dibujos que hizo en aquella fecha, una serie titulada “Fashion for Men” que le regaló a John con motivo de su boda. Pues esos bocetos de prendas inspiradas por su marido las ha producido Opening Ceremony en edición limitada: 18 looks de los que se producirán 52 piezas de cada prenda. El 27 de noviembre se pondrán a la venta en las boutiques de la firma en Nueva York y Los Angeles (los londinenses tendrán que esperar hasta el día 30 y los nipones hasta el 9 de diciembre).

Estoy sin palabras: FIN

Ivana Omazic entra en Margiela o el dilema del crecimiento ilimitado

Martes, 20 Noviembre 2012

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Está claro que Margiela ya no es lo que era. No me refiero al terreno creativo, que quizás también. Sino a las formas. Después de la polémica colaboración con H&M, que levantó ampollas en las redes sociales, ahora se conoce (se filtra) que Ivana Omazic se incorpora al equipo de Maison Margiela en calidad… bueno, no se sabe, pero se sospecha que de directora creativa, ya que una profesional de su talla es dudoso que vaya de becaria.

Claro está que todos son suposiciones, ya que cuando se habla con los responsables de prensa de Margiela solo responden que ellos no comentan de diseñadores en concreto, que siguen siendo un equipo creativo sin cabezas visibles. Bueno, y me pregunto, ¿quién tiene interés en que se sepa la incorporación de Omazic a la firma? No seré yo el que haga cábalas al respecto, pero “blanco y en botella”…

Esto me hace reflexionar sobre las nuevas estrategias de comunicación y promoción de las que me he percatado a raíz de la marcha de Ghesquière de Balenciaga. Tonto yo, pensaba que una firma descabezada era un activo tóxico, ya que el público gusta de poner cara al creador de la casa. Pero el caso Galliano/Dior ha desmentido este convencimiento. Ahora, lo que parece llevarse es crear incertidumbre para estar todos los días en los medios. Publicidad gratuita, si se quiere. Como demuestra que ya hemos entrado en una guerra de rumores y especulaciones sucesorias que un día apuntan a Christopher Kane como nuevo diseñador de Balenciaga, al día siguiente se publica el desmentido, para más tarde sacar otro nombre a la palestra, y así ad libitum. Debo haberme quedado anticuado, porque soy de los que valoran la certidumbre, la continuidad, un proyecto de futuro, una identidad sólida… más que el eterno cambio, la búsqueda de la novedad por la novedad.

Ya decía Kenneth Boulding aquello de que aquel que creyera en un crecimiento ilimitado en un mundo de recursos limitados solo podía ser un loco o un economista… y yo añado: también parecen instalados en esa idea los CEO de las firmas de moda que piensan que con estrategias de marketing, imagen y comunicación el crecimiento de sus firmas no tiene techo. Falso. Existen estrategias de crecimiento aun por aprovechar pero exigen inversiones más allá de cambiar de diseñador.

No se dan cuenta que el problema no está en que la gente esté comprando productos de otras firmas competidoras, sino simplemente que el poder adquisitivo ha caído drásticamente y el mercado se ha hecho más pequeño para las firmas de lujo. Una salida a este dilema podría ser buscar nuevas vías en el mercado masivo del fast fashion más allá de las colaboraciones con empresas tipo H&M, pero si bien podría tener beneficios en cuanto a la expansión del mercado objetivo, también es cierto que se enfrentarían a las economías de escalas generadas por empresas ya instaladas en el sector y con amplio raigambre, así como al desprestigio colateral de sus líneas tradicionalmente de lujo.

En definitiva: un complicado debate que los más listos salvarán diciendo aquello de “virgencita, que me quede como estoy”. 

¿Qué pasó con la moda latina?

Mircoles, 14 Noviembre 2012

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Por todo es conocido que durante años ejercí de Director de Contenidos de CentroModaOnLine.com. Durante esos años, de la mano de mi ex-jefe Pepe Reblet, descubrí la inabarcable realidad de la moda latinoamericana. No sin reticencias abandoné mis prejuicios y me sumergí en el apasionante mundo de la moda latina, en un momento donde de las prometía brillante, con diseñadores latinos demostrando en Nueva York que en el sur empezaba a gestarse un movimiento francamente interesante. Yo tenía la sensación de que algo iba a pasar, algo importante. Después vino mi etapa en elEconomista y mi atención se volcó a los mercados de lujo y la moda latina quedó un poco olvidada por razones prácticas. Hace unas semanas tome la decisión de rescatar ese interés y empecé a repasar qué se cocía en Brasil, Argentina, Uruguay, Chile, Colombia… y sus respectivas pasarelas. ¿Y qué me encuentro? Que aquella semilla se ha marchitado. Que sí, que hay creadores interesantes como iré mostrando en el futuro, pero las estructuras institucional a pesar de haber sufrido la crisis mucho menos que en Europa o en Estados Unidos, se ha desmoronado dejando languidecer los distintos proyectos.

He querido saber qué ha pasado, porque lo que me he encontrado es como si volvieras a casa después de un largo viaje y te la encontraras arrasada por el fuego. Así que he recurrido en primer lugar a mi buena amiga Catherine Villota, que fue compañera mía en CentroModa, experta en moda colombiana de renombre y creadora del portal FashionRadicals.com. “Creo que lo que ha pasado es que con la crisis las marcas de pronta moda, llámese Inditex, H&M, Forever XXI, Bimba y Lola, Furla, Coach, Parfois, Women Secret, G-Star Raw, Celio, Gap, Banana Republic, Rapsofia…, encontraron en Latino América su nuevo nicho de mercado y al llegar a nuestros países se han convertido en marcas aspiracionales que antes se adquirían en los viajes y ahora están aquí” me dice Catherine. “Eso ha hecho que el diseño de autor se vea afectado no solo por problemas de competitividad sino también por problemas de posicionamiento. Igualmente las marcas locales se han tenido que pellizcar y comenzar a competir de igual a igual (en precios y producto) con las marcas extranjeras. Las marcas de lujo también están llegando y esperan poder captar el mercado de lujo latino, ávidos de nuevos mercados. Sin embargo también siento que los diseñadores de autor se están uniendo y encuentra en la unión del gremio su fortalecimiento, y aunque aun suenan los mismos, van surgiendo otros nuevos. Tanto el diseño de autor como las marcas locales se dan cuenta que deben estructurarse como empresa. Ya no somos Tercer Mundo, pero aun somos emergentes. Y en ese tema no estábamos listos para ser los primeros en moda en momentos de crisis de la moda extranjera, aunque parecía una oportunidad que estaba ahí y se puede aun aprovechar pero no creo que Latinoamérica como tal esté lista en el cluster moda para tomar el mercado de consumo de moda y posicionarse. Y no quiero decir que no se pueda lograr, creo que los avances van para allá. Por supuesto Brasil es caso aparte. También se están creando espacios comerciales de moda tipo tiendas multi marcas (concept stores). Estamos comprando tendencias mundiales de moda a precios baratos, por ejemplo Forever XXI, que son baratijas, es un éxito total que provoca colas de más de 200 personas para entrar”.

Al colombiano Ricardo Ramos lo conozco de largo, de cuando yo colaboraba con Clone Magazine, y él desde Barcelona compaginaba su trabajo de diseñador con el de estilista de producciones de moda. A pesar de estar ahora afincado en Berlín con su firma De Leon, me consta que sigue muy cerca las evoluciones de la moda del continente de donde salió en su día y se muestra más optimista respecto a mi pregunta de ¿qué ha pasado con la moda latina?: “Ese momento mediático para ciertos creadores latinos como Cortazar, Hercovitch o los Toledo hace unos años unido al constante ascenso de los ya establecidos como Carolina Herrera o Narciso Rodríguez despertó un movimiento en Latinoamérica más comprometido con la moda” reflexiona Ricardo. “Actualmente la industria de la moda en Latinoamérica vive un momento interesante. Hay mucha maquila importante y se hacen negociaciones considerables durante las ferias latinoamericanas relacionadas con materia prima, y con productos como denimwear, utilitarios, baño y moda íntima. Es interesante ver las continuas colaboraciones de diseñadores con colecciones para supermercados de cadena y marcas locales acercando así la moda al gran público. Aunque no todo es color de rosa, por ejemplo el TLC (Tratado de Libre Comercio) en Colombia ha afectado recientemente a la industria por la importación masiva de productos extranjeros distribuidos a precios muy bajos. No hay atisbo de crisis ante la entrada de marcas de lujo internacionales con sus propias tiendas una tras otra, aunque las clases altas sigan reservándose el placer de invertir en un complemento de lujo para cuando viajan, gustan de consumir las prendas de creadores locales. La moda latinoamericana del momento es muy local y los diseñadores trabajan una línea muy aspiracional arriesgando poco aunque todo suele estar perfectamente hecho”.

Decido cambiar de país e irme a Argentina, donde está Noel Falken, directora de Estudio Falken, una consultora de moda que brinda asesoramiento y servicios creativos. “El tema de la moda latina es muy complejo ya que es imposible generalizar pues cada país toma sus propias políticas y rumbos al respecto” me explica Noel. “Si hablamos de los países latinos con más trascendencia, te diría que Brasil hizo foco en el mercado interno, esto se debe a que el tipo de cambio no es favorable para la exportación y por tanto los costos y precios resultan altos al momento de exportar. Paralelamente el mercado interno creció y entonces las marcas y diseñadores se han volcado a satisfacer las necesidades locales. Si tomas como ejemplo el reciente cambio de fechas de las semanas de la moda de Brasil, se hace notoria esta prioridad nacionalista. En Argentina ha sucedido algo parecido en cuanto a dar prioridad al mercado interno. Se ha cerrado el mercado a la importación y por tanto esto ha hecho que se consuma más producto local. Además de que hay escasez de materia prima (por las trabas a la importación) y si bien esto muchas veces ha logrado fomentar la creatividad (como sucedió durante la crisis argentina del 2001) la realidad es que se torna cada vez más difícil conseguir la cantidad y calidad de materia prima que los diseñadores muchas veces anhelan. En Méjico los cambios, idas y vueltas en la organización de la Semana de la Moda han hecho confusa la situación, como por ejemplo saber quién presenta dónde y cuándo. Personalmente no creo que sea un tema de creatividad, pero sí que el diseño latino ha dejado de mirar hacia afuera para volcarse e interesarse y fortalecer sus propios mercados, entonces no ha hecho un esfuerzo por internacionalizarse. En Argentina para darte un ejemplo, tanto a nivel gobierno estatal como ciudad (Buenos Aires) se están fomentando cada vez más las pasarelas locales, cada vez hay más apoyo, pero el apoyo no tiene que ver solo con la exposición y con preparar una pasarela, tiene que ver con la capacitación, con la profesionalización de la cadena productiva, etc. Entonces el foco es otro: generar trabajo y profesionalizar un área en la cual no somos “expertos” o tenemos tanta historia (como Europa)”.

Por último recurro a Pepe Reblet, que he nombrado al principio, ideador y comisario de LatinoAméricaFashion (LAF), pasarela que empezó a celebrarse en los aledaños de Cibeles y que nos traía lo más despuntante de aquel continente. “La moda latina fue presentada en “sociedad” en Europa a través de la LAF, pero por problemas en nuestro país, básicamente la crisis económica, dejó de celebrarse en Madrid, como bien sabes. Una vez ubicada en Colombia  fue tal su éxito, y pisó tantos “callos” (expresión muy colombiana) y saco tanto los colores (expresión española) que después de presentarla en Colombia Moda durante dos ediciones decidieron que no habría una tercera edición… ¿Y qué paso con sus diseñadores? Pues que siguen vivos pero huérfanos. Todos ellos añoran la LAF y esta no está muerta, pero si en stand by… Quizás vuelva a nuestro país pero no precisamente a Madrid. ¿Y por qué doy protagonismo a la LAF cuando me preguntas por la moda latina? Porque a mi juicio fue una desgracia perder esta plataforma que juntaba en una pasarela a todos los creadores de moda más talentosos y vanguardistas de Latino América (Argentina, Colombia, México, Brasil, Uruguay…) y rechazaba a modistos y diseñadores de celebrities. Todos ellos siguen desarrollando su talento y deseando reencontrarse, y en eso estamos”.

Carlos Ávila y Diego Rodríguez, diseñadores de thename: “Hemos aprendido que el ‘hecho en España’ sea también una marca de calidad”

Jueves, 8 Noviembre 2012

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Llega un momento de madurez en cada uno en que los valores que respetas en la moda se transformas y empiezan a preponderar la solidez del diseño, las calidades, la arquitectura de la prenda, las terminaciones minuciosas… y todo eso lo encontramos en un dúo formado por Carlos Ávila y Diego Rodríguez, detrás de la firma thename, cuyo showroom se encuentra en la calle Génova de Madrid. Su última colección lleva por nombre “Ma Nuit” y en ella demuestran su amor por la exquisitez que se plasma en la selección de materiales de altísima calidad y los detalles artesanales. Dos colaboradores especiales y de lujo en esta propuesta: complementos de Assaad Awad y joyas de Isidoro Hernandez 

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¿Cómo surge thename? thename nació de la unión de los talentos de Carlos Ávila y Diego Rodriguez, que tras varios años trabajando en el mundo de la moda para diversas firmas internacionales y colaborando como estilistas en infinidad de producciones de moda, sienten la necesidad de transformar esa experiencia y ese amor por los diseñadores de alta costura en sus diseños.

¿De dónde venís cada uno profesionalmente? La verdad que nuestras carreras profesionales han sido muy paralelas y siempre han estado relacionadas con la moda. Los dos desde muy jóvenes recordamos que nuestros libros de cabecera eran revistas de moda. Nuestros primeros pasos profesionales fueron con firmas españolas con proyección internacional.

¿Cuáles son los valores rectores de vuestro trabajo? Desde el comienzo de la marca los dos teníamos claro unos valores, los acabados de costura incluso en el prêt-à-porter, el “made in spain“, las materias primas de gran calidad y que la mujer ante todo sea femenina sin ser esclava de las tendencias, con vocación de ser un clásico.

Vuestra ropa evidencia que se basa en la solidez de la estructura, en los detalles cuidados… ¿Cuáles son esos detalles en los que ponéis especial énfasis? Creemos que esa solidez nace de un patrón muy estudiado que va acompañado de la elección del tejido adecuado. Trabajamos cada pieza como si fuera única y sobre todo los acabados artesanales, supervisando minuciosamente cada hilo, cada fornitura, para que nada quede en manos de la improvisación.

La costura se ha convertido en el modelo de subsistencia del diseñador español en tiempo de crisis. ¿El prêt-à-porter es una misión imposible en estos tiempos? Nosotros queremos acercar las distancias entre la alta costura y el prêt-à-porter, porque un prêt-à-porter bien trabajado no deja de tener una parte de costura, sin que siga siendo accesible.

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¿España se ha convertido un entorno hostil para el diseñador en general? Creemos que dejando aparte la situación actual que atraviesa el país, la moda nunca fue un sector por el que se apostó desde las instituciones, y que en otros países vecinos han sabido explotar y vender como marca de calidad. Por falta de talento nunca fue, ya que hemos visto nacer a muchos de los grandes diseñadores que han sido referentes a nivel mundial y de los que hemos aprendido los que queremos que el “hecho en España” sea también una marca de calidad. Probablemente nos valoren más fuera que dentro, pero eso forma parte de nuestra cultura. No nos creemos de lo que somos capaces.

A nivel de plataforma de difusión, ¿hay alguna pasarela en España que os llame en estos momentos o no es para vosotros una prioridad? Sabemos que una pasarela importante es una buena plataforma, pero apostamos  por pasarelas más personalizadas, donde la atención se centre en el propio diseñador y en cómo quiere mostrar sus creaciones.

¿Qué opináis de esa aceleración de la obsolescencia de la moda? Antes hablábamos de dos temporadas pero ahora tenemos colecciones Cruise y Resort y cada vez nos acercamos a un modelo de reposición del fast-fashion. Creemos que con este concepto de saturación de colecciones, con las que no sabes muy bien en qué temporada estás, confundes al cliente. Si se pretende crear una necesidad inmediata, en verdad lo que se crea, en nuestra opinión, es una devaluación de las colecciones principales, les restas importancia y pierden muy rápido el interés. El secreto está en ofrecer colecciones lo más completas posibles, adaptando las propuestas dentro de cada temporada y ofreciendo un producto especifico para cada estación.

¿Cómo es trabajar en tándem? En nuestro caso es muy enriquecedor y siempre nos ayuda a que los diseños crezcan y mejoren, tenemos muy claro cuál es el punto fuerte de cada uno y coincidimos en lo más importante, el estilo de la mujer thename. Además nos admiramos y respetamos como profesionales y eso crea un ambiente de trabajo muy especial.

¿Qué aporta cada uno al resultado final de thename? Diego es la parte más etérea, más creativa, y Carlos es la parte terrenal, más comercial, que además se encarga de buscar las materias primas perfectas para las creaciones.

¿Cuáles son vuestros planes de futuro? En estos momentos estamos trabajando en asentarnos en nuestro país, queremos que thename sea un imprescindible en el armario de la mujer española, sin olvidar los nuevos mercados emergentes que esperamos explorar en breve.

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www.thenameconcept.com

Chow Ka Wa Key

Lunes, 5 Noviembre 2012

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Hoy quiero acercaros un joven diseñador chino muy a tener en cuenta. Su nombre es Chow Ka Wa Key, es de Hong Kong, y se graduó este mismo año en la The Hong Kong Polytechnic University. A pesar de su cortísima carrera ha sido multipremiado en diversos certámenes y ha mostrado su colección Mrr. incluso en Milán, donde no ha dejado indiferente a nadie. En su trabajo fusiona moda y escultura, artesanía y tecnología, tradición e innovación. De hecho el punto de partida de esta colección en la historia de un diseñador de moda y un escultor que se enamoran y desafían los convencionalismos sociales luchando por celebrar una boda condenada por la sociedad. Disfrutad de este trabajo:

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