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Archivo de Septiembre, 2013

No creo en Dior

Lunes, 30 Septiembre 2013

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Cada día comprendo mejor a la desaparecida Helen Thomas cuando decía aquello de que cuando se levantaba cada mañana se preguntaba “a quién toca odiar hoy“. A veces no hay que preguntarse mucho porque el mundo insiste en ponerte delante mil cosas que despierten tus más bajos instintos. Yo estoy en ese modo constantemente, y de hecho ya avisaba en mi estado de Facebook esta mañana por dónde podían ir los derroteros del día: “Creo que es impopular decir que el trabajo de Raf Simons para Dior me parece una caca de la vaca”. No está dicho muy finamente pero resume perfectamente mi postura sobre el trabajo de Simons en la casa francesa.

Sí, de nuevo Raf Simons. No es que no me guste su trabajo (que para mí tiene muchos claroscuros) sino que no me gusta lo que le está haciendo a Dior. Recuerdo una amiga que allá por 1993 estaba enamorada de un señor mayor con una vida compleja y a la que preguntábamos si de verdad le gustaba, a lo que ella respondía siempre Que le gustaba cómo era ella cuando estaba con él. Pues no creo que Simons pueda gustarse estando en Dior porque se le ve forzado, en una constante búsqueda de identidad muy desencaminada, que lo aleja de lo que Simons ha sido y no lo acerca a lo de debiera ser Dior. Ya pasó el periodo de gracia que decidí darle a Simons y no pienso darle más el beneficio de la duda.

Está claro que nadie puede tirar la primera piedra porque el poderío anunciante de la casa francesa la hace intocable. Yo confío en que las clientas sean la voz de la sinceridad en un mar de adulaciones de conveniencia, y que cuando los resultados de las ventas hablen en el idioma de las cifras el castillo montado alrededor de la sucesión de Galliano se desmonte. No creo que la consumidora del Dior de Yves Saint Laurent, Bohan, Ferré o Galliano pueda tragar lo que ahora se le presenta. El Dior pre y post Simons hablan idiomas completamente diferentes y se dirigen a mujeres irreconciliables. El problema está en que los negocios no todo es objetividad, y la soberbia de no reconocer que se ha cometido un error puede llevar a soportar un descalabro con falsa dignidad.

La pérdida de las estructuras, ese caótico patchwork de materiales, esa imagen de conceptos ‘accesibles’… ¡¡¡Dior no va de accesibilidad!!! Dior es sueño y fantasía. Nadie se gasta según qué precios para tener una imagen minimal y accesible.

Señores, esta diatriba no sirve para nada más allá del propio desahogo, porque al fin y al cabo esto soy es un blog. Pero me gustaría saber si estoy equivocado, por favor, dadme vuestra opinión, que sí cuenta.

PD. ¡Y ahora que Dior me quite la publicidad!… Ah, que no tengo…

The 2nd Skin Co, nueva costura contemporánea: “Casi el 80% de nuestras ventas son en el extranjero”

Martes, 24 Septiembre 2013

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Uno de los descubrimientos que nos ha deparado la última edición de MFShow ha sido The 2nd Skin Co, una firma de costura contemporánea detrás de la que se encuentran Antonio Burillo y Juan Carlos Fernández.

Dos líneas de trabajo constituyen esta propuesta. Por un lado prêt-à-porter distribuida en una selecta red de tiendas multimarca, y por otro lado la colección Atelier donde tiene gran protagonismo el traje de ceremonia. La colección que presentaron fue Sparkling, donde el brillo pone la tona de lujo en una propuesta muy noche, de siluetas limpias y estructuradas, con volúmenes muy años 50.

¿De dónde venís y cómo decidís emprender esta aventura que es The 2nd Skin?

Juan Carlos: Antonio ha trabajado siempre en el sector. Yo estuve como gerente en ACME y de ahí pasé a Angel Schlesser, donde Antonio y yo nos conocimos y decidimos emprender esta aventura juntos.

¿En qué se diferencia vuestra ‘costura’? ¿Cuáles son vuestras señas de identidad?

Antonio: Nuestra costura es una forma de hacer renovada, rejuvenecida y más funcional, con los matices propios del contexto en el que nos movemos. Posiblemente nuestra seña de identidad sea la femineidad de las prendas que hacemos.

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¿Cuáles son vuestras referencias a la hora de diseñar?

Juan Carlos: Vivimos en un mundo atiborrado de información a la que nos gusta estar atentos. Nuestras referencias son múltiples, aunque de alguna manera solemos gravitar entorno a la costura de los años 50.

¿Es la ‘ceremonia’ el gran salvavidas del diseño español hoy día?

Antonio: No sabemos si nuestro caso puede ser extrapolable. Para nosotros que desarrollamos colecciones muy cóctel, destinadas a eventos y ceremonias lo está siendo. De cualquier modo es importante señalar que casi el 80% de nuestras ventas son en el extranjero.

Contadme sobre Sparkling, ¿qué os satisface más del resultado de esta colección?

Juan Carlos: Es una colección muy noche, pensada para dar luz en la oscuridad. Estamos muy contentos con la apuesta de tejidos que hemos hecho. Todo el proceso se ha desarrollado de forma muy fluida. El resultado ha sido muy satisfactorio.

¿En qué os habéis inspirado? Antonio: Esto es algo que contamos habitualmente. Nuestro primer contacto es con los tejidos, de los cuales partimos siempre como elemento inspirador y desarrollar el colorido que nos apetece.  En este caso  los destellos, las piedras  y el amplio significado de “sparkling” nos  transmitió  una historia que merecía la pena contar.

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¿Cómo creéis que ha afectado al panorama de la moda de MFShow?

Juan Carlos: Exponer tus propuestas siempre es importante. Plataformas como MFShow o MBFWM  amplían las posibilidades de dar a conocer otras marcas que no por ser menos conocidas son menos importantes.

¿Cuáles son vuestros planes de futuro inmediato para vuestra firma?

Antonio: Ampliar nuestra red de ventas en el extranjero y abrir nuestro primer punto de venta propio.

¿Cómo es el proceso de trabajar juntos? ¿En qué coincidís y en qué divergís? ¿Cómo se resuelven las diferencias?

Juan Carlos: Todas las decisiones importantes están consensuadas, desde las comerciales hasta el diseño. Es frecuente que tengamos opiniones diferentes, sin embargo resulta fácil llegar a acuerdos.

Antonio: Nos gusta proponer y debatir sobre nuestras ideas, que haya diferencias para poder llegar a ese punto de entendimiento siempre resulta enriquecedor.

¿Qué opináis de las alfombras rojas españolas? ¿Creéis que se debiera dar un compromiso más firme de las celebridades con el diseño español?

Antonio: La alfombra roja se ha convertido en un escaparate de moda. Nos gusta la pluralidad y contar con marcas internacionales. Pero es cierto que la moda española está más reducida en su representación. Esto no es siempre una decisión de la celebrity sino que pueden influir otros muchos factores.

www.the2ndskinco.com

Eric Gallais, diseñador de complementos: “El Made in Spain es sinónimo de calidad, de tradición, pero también de innovación”

Viernes, 20 Septiembre 2013

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La carrera del diseñador de accesorios Eric Gallais realmente impresiona. Se formó bajo el ala de Yves Saint-Laurent, con quien trabajó diez años, de 1989 a 1999, diseñando para mujer, tanto para Alta Costura como para el prêt-à-porter de lujo, así como las colecciones de bolsos para mujer de YSL Rive Gauche junto a Alber Elbaz y las líneas de bolsos y carteras para hombre junto a Hedi Slimane. Cuando llega Tom Ford a la casa pasa a ser Senior Designer hasta que es fichado por Loewe como responsable de los accesorios contándose entre sus proyectos más interesantes el “lifting” de la línea emblemática “Amazona”.

¿Cómo nace en ti el amor al diseño? Para ser franco no tengo ni idea, desde siempre me ha encantado dibujar, me ha encantado la pintura, la fotografía, la moda y siempre he dibujado, es algo que tengo dentro de mí.

¿De las personalidades de la moda con que has trabajado quién te ha impactado más? Yves Saint Laurent, porque tenía una visión tan justa, precisa y bella.

¿En qué momento te das cuenta que lo que quieres es lanzar tu propia firma? Hacía tiempo que quería hacerlo, era algo que estaba latente, y llegó un día que evidentemente me sentí listo gracias a mi socio Carlos Baranda, que fue el catalizador del proceso.

¿Cuál dirías que son tus señas de identidad al diseñar? La esencia de los bolsos… ¡Líneas puras!

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Stars Collection de Eric Gallais

¿En qué se nota el continuismo con todo lo que has hecho para otras firmas? Siempre he trabajado con firmas con mucha personalidad y señas de identidad marcadas como Loewe, ¡¡y con logos!!! La continuidad se centra en el amor a los bolsos bien hechos, con materiales de calidad excelente, bolsos que envejecen bien, que sean de y para toda la vida.

¿Y dónde está la ruptura con todo lo hecho anteriormente? La ruptura está en que quería hacer algo sin logo, que la gente apreciara el bolso por él mismo, que sea un compañero fiel.

¿Qué te parece más interesante de diseñar para hombres, que tradicionalmente están más cerrados a las innovaciones? ¡Adoro diseñar para hombres! Es verdad que el hombre tiene un modo de consumir distinto al de la mujer, es más pragmático, la funcionalidad es lo más importante para ellos (sin olvidar la belleza, claro).

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Colors Collection de Eric Gallais 

¿Qué es lo más complicado de lanzar una firma de complementos en un mundo donde las grandes firmas de moda han posicionado sus creaciones como símbolos de estatus? Ser conocido como marca, tener visibilidad.

¿Por qué decides quedarte en España? Porque estoy enamorado de España (como de Francia, Italia…). Y lo cierto es que aquí hay unos artesanos fantásticos.

¿Crees que es posible hacer un negocio rentable del Made in Spain? Claro, es evidente que  el Made in Spain es sinónimo de calidad, de tradición, pero también de innovación y por extensión el Made in Spain significa Made in Europa. Nosotros somos Made in Spain con materiales europeos.

Tus bolsos se han subido a la pasarela de la mano de Sara Coleman, ¿qué destacarías de tu relación creativa con Sara? Ha sido alfo muy fácil, nos hemos complementado muy bien. No hemos desarrollado algo especial para Sara sino que elegía bolsos existentes de la colección y resultaba increíble ver cómo teníamos la misma visión. Lo hemos dejado porque la marca Sara Coleman ha lanzado su marca de bolsos. Sara es una gran amiga.

www.ericgallais.com

María Barros, diseñadora coruñesa: “Vivimos en un mundo global donde no podemos ceñirnos a un único mercado”

Lunes, 16 Septiembre 2013

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Ayer compartieron pasarela dos grandes creadoras. Junto a la fantástica colección de Maya Hansen desfilo la no menos fantástica Coupage de la gallega María Barros. Siempre me ha parecido una de las creadoras más centradas e inteligente de la nueva hornada, siempre dispuesta a intentar proyectos innovadores, y esta colección no es una excepción. María nos ha presentado su personal concepción del mundo del vino en colaboración con Cristina Alcalá, reconocida sumiller, enóloga y periodista especializada.

Yo, que conozco bien el trabajo de María porque la sigo desde su irrupción en escena con la mejor carta de presentación que podía traerse de Milán, una tesis supervisada por la mismísima Franca Sozzani, he percibido en esta colección ciertas líneas de evolución muy interesantes relacionadas íntimamente con el leitmotiv de esta colección. Lo principal es que esta es una colección más orgánica, fluctuante, donde la arquitectura es sustituida por el caos controlado del desarrollo vegetal. Sus estructuras se tuercen y retuercen como los pánpanos de la vid. Las transparencias semejan lo cristalino del vino, del líquido y su envase, de la piel que envuelve la preciosa carne de la uva.

Esta es una colección con señas de identidad muy distinta a los trabajos que has presentado hasta ahora. Es cierto que es una colección en la que rompo las pautas con las que trabajaba hasta el momento en mi proceso creativo. En esta ocasión, podría decir que en vez de elegir la inspiración en la que basarme, es ella la que de algún modo me elige a mí. También, para esta colección, colaboro con una persona externa a mi mundo que me da las claves para iniciar todo el proceso creativo, un proceso que personalmente considero muy íntimo y que hasta el momento realizaba siempre en solitario. Yo creo que estas son las dos claves que diferencian esta colección de mi trabajo anterior. Sin embargo, pienso que mis señas de identidad continúan como constante en mi trabajo.

¿Qué te interesa más como diseñadora: consolidar tus señas de identidad o mantener un continuo proceso de evolución y reinvención? En mi caso, considero que la propia evolución de mi trabajo implica afianzar mis señas de identidad. Por mi forma de entender la moda y trabajar mis colecciones siento que ambas van unidas.

¿Qué es lo que nos reseñarías de Coupage desde el punto de vista de creadora de esta colección? Desde el punto de vista conceptual destacaría su nombre, “Coupage”, que define de manera completa la idea inicial de esta colección y su unión con el mundo del vino. Por la parte creativa destacaría que es una colección en la que me inspiro de manera instintiva y sensitiva para crear y ambientar a un tipo de mujer que parte de las sensaciones que me evoca el vino. Es a partir de esta mujer y de lo que ella me sugiere, junto con la ambientación donde la ubico, donde parte la colección.

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Explícame un poco en qué se concreta esa colaboración con el mundo del vino llamada Vinhoy. Vinhoy es una plataforma desde la que generan formatos creativos para impulsar una nueva línea de comunicación del vino, desarrollando conexiones entre el mundo del vino con otras disciplinas artísticas, entre ellas la moda. Los conocí de manera casual el pasado año. Entre las personas involucradas  en este proyecto se encontraba Cristina Alcalá, con la que desde el inicio tuve muy buena conexión personal. A mí me atraía mucho su mundo desde una dualidad de lucha interna, ya que me sentía muy atraída por el vino pero no sabía expresar lo que percibía de él desde mi intuición, por lo tanto no sabía disfrutarlo ni mostraba mi intención por aprender a lograrlo. Ella supo introducirme en su mundo y caí en una especie de seducción con el vino, de una manera muy intuitiva. Hasta ese momento era un mundo totalmente ajeno a mí, pero en el que, una vez dentro, pude entender muchas cosas de una manera muy fluida y atrayente. Cada vez que me hablaba de un vino, lo definía con mi mismo lenguaje. Me hablaba de texturas, volúmenes, siluetas… Un día cenando en mi casa con otras personas le comenté que quería inspirarme en el vino para mi nueva colección, quería saberlo todo, necesitaba su ayuda. Ella partía de un mismo proceso creativo y necesitaba transmitir en una colección todo lo que el vino me sugiere y los vínculos que tiene con la moda. Y ahí empieza el juego entre moda y vino y mi colaboración con Vinhoy.

Tengo la sensación que la pujanza de MBFWM ha decaído con la salida de nombres potentes del calendario, y la competencia de MFShow ha dividido el foco. ¿Qué opinas del momento que está viviendo MBFWM? Me parece que es el reflejo de la realidad que está viviendo la moda española en estos momentos. Es época de cambios, y con ellos diseñadores que se bajan de esta pasarela y otros que se suman a ella.

¿Es España un buen mercado para la moda o la supervivencia de un creativo como tú ha de pasar obligatoriamente por cruzar fronteras comercialmente? Creo que en España se puede sobrevivir con la moda, pero para crecer nos vemos obligados a cruzar fronteras. Sin embargo yo esto lo veo como algo positivo. Vivimos en un mundo global donde no podemos ceñirnos a un único mercado.

Estoy de acuerdo. Yo creo que hasta de los acontecimientos más nefastos se pueden sacar lecciones positivas. ¿Qué lecciones positivas ha podido (o debido) sacar la moda española de la crisis económica que vivimos? La importancia de la internacionalización.

Todos somos presos de miedos e ilusiones en el desarrollo de nuestro trabajo, ¿cuáles son tus miedos como creadora? Los miedos son innumerables y varían dependiendo épocas y momentos personales y profesionales. Van desde quedarme sin recursos creativos propios hasta desencantarme del mundo de la moda o despertarme un día y no encontrarle sentido a tanto esfuerzo y tiempo empleado.

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¿Y tu mayor ilusión en estos momentos? Mi mayor ilusión por otra parte es crecer con mi firma.

Si miras atrás en este momento de madurez profesional, ¿qué es lo más importante que aprendiste trabajando para otros? Cómo funcionan todos los procesos en una empresa de moda y la importancia de cada uno.

¿Qué es lo primero que tienes pendiente hacer cuando des por finiquitada la presentación de esta colección? La colaboración con Vinhoy es un proyecto que no se ciñe únicamente a la pasarela. Es un concepto con mucho más contenido, por lo que el trabajo continúa el día después al desfile y hasta meses después. Por ahora no puedo avanzar más…

www.mariabarros.es 

Aurelia Gil, diseñadora canaria: “La moda es el lenguaje perfecto, sintetiza todo lo que me gusta en un solo oficio”

Mircoles, 11 Septiembre 2013

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Madrid Fashion Show se ha convertido en una cita de la moda española fuerte y sólida, donde se dan cita nombres que hasta el momento habían tenido su momento en pasarelas periféricas y no encontraban hueco en la semana de la moda institucional madrileña. Un buen ejemplo es el de Aurelia Gil, la diseñadora canaria que habíamos podido ver hasta el momento en Moda Cálida, la pasarela de moda baño de de Gran Canaria, y en la Valencia Fashion Week. Ahora da el salto a la capital con una colección que toma como punto de partida las pinturas impresionistas del siglo XIX y las estampas japonesas de los maestros ukiyo-e que tanto inspiraron a los pintores de este movimiento. Y es que Aurelia gil es licenciada en Bellas Artes, por ello ese profundo conocimiento de las corrientes artísticas de donde toma inspiración. Sin antecedentes familiares dentro de la industria de la moda su decisión de dedicarse a diseñar debió de sorprender en casa. “En cuanto me licencié en Bellas Artes  la decisión fue hacer la especialidad en moda sin pensarlo. Siempre me gustó la ropa y la decisión fue sin más. Para mí la moda es el lenguaje perfecto, sintetiza todo lo que me gusta en un solo oficio, comienza en el dibujo y a partir de ahí es todo, música, escultura de volúmenes, pinturas a través de los prints, puesta en escena… Y costura, mucha costura…”

La diseñadora ha conseguido crear su propio universo desde Las Palmas de Gran Canaria, su ciudad natal, donde desarrolla sus colecciones con el sello Made in Spain y la calidad como premisa, aunque reconoce que trabajar en moda desde Las Palmas tiene sus hándicaps. “Vivir en Las Palmas es una dificultad en sí misma. No hay industria, no hay materia prima. Hay que saltar a la península para todo. Pero allí está mi casa, y sinceramente pienso que da igual donde surja la idea y donde se desarrolle, lo que realmente importa es que el trabajo sea bueno y que se encuentren los recursos para mostrarlo fuera. Creo que debemos aprovechar estas supuestas debilidades y convertirlas fortalezas, en algo que defina tu modo de trabajar y de alguna manera, tu filosofía. Ahora mismo las comunicaciones son sencillas, todo puede llegar a cualquier parte en un solo click, con un equipo que te respalde y que trabaje de la mano contigo se puede hacer”. Aunque su pasión por la moda es tan grande que la hace disfrutar a cada paso en su profesión confiesa que hay aspectos con los que no disfruta tanto pero que son muy necesarios. “Lo más complicado para mí siempre es la gestión en general, la labor de empresa,  y las ventas, el encontrar ese público que te necesita. Salir de mi taller y mis dibujos me cuesta, sé que la expresión no es bonita, pero ‘soy un animal de atelier’, es donde disfruto.  Eso precisamente es el aspecto más gratificante, el tener el lujo de poder desarrollar un trabajo creativo que te reta todos los días a seguir reinventándote, a seguir buscando tu destino y el modo de hacer y contar. La libertad absoluta que te da este trabajo es tan grande como la responsabilidad y la implicación que exige”.

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Aurelia es una diseñadora con un concepto muy integral de la moda pues a pesar de realizar prêt-à-porter su línea de moda baño tiene un papel muy importante dentro de su trabajo. “Aunque yo me considero diseñadora de prêt-à-porter, cada colección de primavera/verano viene fortalecida por la línea swimwear. El baño lo entiendo como la corsetería, debe adaptarse al cuerpo de la mujer y ser cómodo, debe estar diseñado y cuidar los detalles, pues son pocos centímetros de tejido para contar largas historias. Me gusta jugar con los escotes, con los cambios bruscos de color, las espaldas muy amplias y los tirantes en cruz. Me empeño en encontrar un traje de baño para cada mujer… Me gusta la idea de poder ir vestida a la playa y también el poder rescatar estas piezas de playa para vestir”.

Esta colección recién presentada, Impressions, tiene una intrahistoria rica en referencias artísticas. “Impressions se inspira en el Impresionismo y en las estampas japonesas del ukiyo-e y está colmada de estampados que han surgido de dibujos y retoques fotográficos propios, tejidos vaqueros salpicados como lienzos y la aniquilación del negro como sombra, sustituido por el azul. Hemos querido crear una estampa de prendas muy limpias y muy trabajadas en el detalle, pañuelos, sedas algodones, espaldas en cruz y abrigos amplios para el verano”. Su elección de materiales para cada colección es cuidada, pensada y sometida a una estricta selección de calidades. “Los materiales para mí son imprescindibles, son las texturas que dan forma, peso y caída a la historia que planteo. Son mi lienzo. Me gustan naturales, sedas y algodones sobre todo, pero no nos cerramos a sintéticos que se adapten a la figura y que nos aporten comodidad. Hemos trabajado hasta con neoprenos, lo importante es que el tejido sea de primera calidad, que sea un producto español y que sus tinturas sean responsables con el medio. Muchas cosas van implícitas en la elección del material”.

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Después de desfilar en Las Palmas y en Valencia, Aurelia ha afrontado su debut madrileña con gran respeto por lo que representa enfrentarse a un foco mediático tan importante. “Estoy muy feliz, pero evidentemente siento una gran responsabilidad, el trabajo madura y el nivel de exigencia y de auto-exigencia crece y se hace más tirano, pero es lo que tiene este trabajo, va dirigido a un público y por lo tanto necesita ser evaluado y criticado, para bien o para mal. Lo importante es aprender de los errores y de los aciertos”. Le pregunto hacia dónde le gustaría que evolucionara su firma, su universo creativo: “La verdad es que no sé que responderte. Me gustaría poder seguir creciendo en mi trabajo, mejorando y aprendiendo cada día. Me gustaría hacerme mayor desarrollando este oficio de diseñadora. Seguir entendiendo las necesidades de la mujer e ir comprendiendo e interpretando su figura. Mi objetivo es consolidar una firma que cree un universo propio, de producción nacional y tirada corta, de prendas especiales realizadas con mimo. Me gustaría poder transmitir la sensación que yo tengo cuando una prenda me enamora, te puede acompañar toda la vida, sin importar tendencias”. Pero también se enfrenta a miedos derivados de la gran responsabilidad con la que asume su trabajo. “Mis colecciones surgen siempre a partir de mis gustos, mis momentos, mis lecturas, mi música; todo lo que forma parte de mi día a día puede ser una excusa para crear una colección. Hasta ahora eso es un proceso natural, desde la gestación al nacimiento, el miedo siempre aparece cuando debes abandonar ese universo que es tu taller y debes contarlo al mundo. Ya está ahí pero hay que darle forma de espectáculo y presentarlo, y está la prensa y después convertirlo en venta… Eso me aterra, puede que no funcione… Ahí está el miedo”.

www.aureliagil.com

Lucio Castro, diseñador bonaerense en Nueva York: “Moda ética es la que no esconde a las personas que tocan cada prenda”

Lunes, 9 Septiembre 2013

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Lucio Castro es una firma relativamente nueva, una marca de moda masculina lanzada en 2010 por el bonaerense de homónimo nombre. Su principal preocupación es crear una ropa de rasgos reales, para hombres reales, de corte ético y allure contemporáneo y práctico. Castro estaba encaminado a la medicina, estudió Medicina en la Universidad de Buenos Aires, para después cambiar totalmente de ámbito instalándose en Nueva York para estudiar dirección de cine. Pero su destino era la moda y tras estudiar en la Parsons trabajó para Marc Jacobs, DKNY Jeans o Armani Exchange. Hoy se revela como una de las voces pujantes del nuevo ‘American Style’, como se pudo comprobar en su presentación de ayer en los Milk Studios.

Tu firma es muy joven, ¿qué valoración harías de estos primeros pasos? Lo más importante fue volver a encontrarme con mi voz como diseñador después de diez años de diseñar para otras marcas.

¿Qué objetivos has cumplido y cuáles te quedan por cumplir? Me quedan muchos objetivos por cumplir, pero el más importante tal vez sea diseñar vestuarios para cine y diseñar toda una aerolínea, desde trajes de auxiliares de vuelo hasta tapizados.

Has trabajado para firmas que se pueden considerar la base del Estilo Americano minimalista (Calvin Klein, Donna Karan), ¿Con qué te sientes identificado con estas firmas y en qué puntos tu firma busca otro camino diferente? Hay algo decididamente americano en mi estilo, sobre todo en el pragmatismo y la comodidad, pero creo que mi línea también tiene un elemento latino muy grande, en el sentido de que habla desde una cierta distancia o periferia y un leve y sutil sentido del humor.

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¿Qué es para ti la ‘moda ética’? Es ropa que no esconde a las personas que tocan cada prenda. Es exponer la cadena de producción de cada prenda y estar orgulloso de cada componente del proceso.

¿Cómo es tu búsqueda de talleres y materiales alrededor del mundo? ¡Extensiva! Pero me permite viajar mucho y conocer otras culturas y la moda siempre habla de contextos y de sociedades, así que no solo los viajes sirven desde un punto de vista técnico. 

¿Y por qué la moda masculina? Era un buen lugar por donde empezar.

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Tus colecciones buscan satisfacer a un hombre “real” que quiere prendas básicas con un toque distinto. ¿Cómo definirías tu estilo? Tienen algo muy familiar pero algo desconcertante a la vez. Freud habla del sentimiento de “uncanny”, y me identifico mucho con ello. Me gusta que las prendas parezcan incluso demasiado reales pero que tengan un secreto. Y también el uso del color, al que le dedico mucho tiempo.

Estudiaste medicina, cinematografía… ¿En qué momento te decantaste por la moda y por qué? Vine a Nueva York a estudiar en Parsons y ahí me metí en la moda. Soy un cinéfilo acérrimo, veo como mínimo una película por día. El cine siempre va estar a mi lado.

Nueva York es una ciudad muy competitiva, ¿cómo te planteaste buscar tu nicho de mercado “en” y “desde” ella? Estudié y trabaje acá. Es un mercado que conozco,  mis ex-compañeros de Parsons y de trabajo son mis pares y los que forman la moda neoyorquina. Es un círculo al que, quiera o no, pertenezco.

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¿Te influye de alguna manera tu origen bonaerense a la hora de concebir tus colecciones? Creo que muchas de las películas que vi en mi adolescencia en la Sala Leopoldo Lugones del San Martin, siempre vuelven a salir a la hora de diseñar. Y ver una película ahí, cambia completamente la experiencia de ver cine. Hay algo en esas alfombras que me marcó para siempre.

¿Qué es lo que más te ha estimulado de la creación de la colección que has presentado? Los bordados adentro de las prendas que solo son disfrutados por los usuarios.

www.luciocastro.com 

Editores de moda… Una vida muy teatral

Lunes, 2 Septiembre 2013

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Todo el mundo volviendo al trabajo y yo abro temporada yéndome al teatro. Sí, pero no físicamente, pues la obra que voy a reseñar me pila un poco lejos, concretamente en Miami. Lo que pasa es que no me he podido resistir a hablar de esta obra que lleva a la escena la azarosa vida de una de las editoras de moda más carismáticas de lo que llevamos de siglo, la desaparecida Isabella Blow. En Miami se ha estrenado ‘Blow Me’, en el Mad Cat Theatre Co., de Jessica Farr y dirigida por Paul Tei, donde se dramatiza las últimas 24 horas que llevaron a Blow a suicidarse en 2007. Una obra que transcurre entre pequeños momentos de lucidez que llevan a Isabella, postrada en la cama de un hospital, a momentos de su vida donde aparecerán personajes decisivos en su vida como Alexander McQueen, Philip Treacy y Sophie Dahl. Y este será un año de celebración de la vida y la obra de la editora de moda que tendrá su propia muestra en Somerset House, Londres, titulada ‘Isabella Blow: Fashion Galore!’, y que abrirá sus puertas en noviembre.

No es la primera vez que la vida de una editora de moda se lleva al teatro. ‘Full Gallop’ de Mark Hampton y Mary Louise Wilson, se centraba en un momento crucial de la vida de la legendaria Diana Vreeland, justo cuando vuelve de un largo viaje por Europa tras ser despedida de Vogue y no sabe que derroteros tomará su vida. Una obra e finales de los 90 que en sus primeros pasos representó la mismísima Brenda Vaccaro y que hoy es un clásico.

Los editores de moda han dejado de ser personajes en la oscuridad, detrás de la cámara, para convertirse en protagonistas del devenir de la moda de nuestro tiempo. Su influencia en la escena creativa se ha hecho visible y se reconoce lo determinante de su mano en la evolución del estilo y las tendencias que nos gobiernan. De figuras como los míticos Babe Paley o Nicky de Gunzburg, a los actuales Paul Cavaco o Camilla Nickerson, amén de las archiconocidas Grace Coddintong, Corinne Roitfeld o Anna Dello Russo. Si rascamos un poco en el éxito de muchos diseñadores descubriremos la labor de uno de estos profesionales detrás de ella, que de forma decisiva han contribuido o bien al desarrollo de la identidad de la marca (Roitfeld en la etapa de Tom Ford en Gucci) o ejerciendo de protector del diseñador (Gunzburg fue decisivo en la carrera del joven Calvin Klein).

Así, que por favor, presten atención a los títulos de crédito de los editoriales de moda, las campañas publicitarias y los desfiles de moda.