La Naranja Metálica

La última pelicula de Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona, se posiciona como una comedia ligera de contenido pero perspicaz en la forma por sus toques sobresalientes de humor. Y es que las carcajadas son sonadas en este menage a trois mediterráneo al son de una guitarra española. La ironía ácida típica de Allen y sus picos de emoción aderezados con un guión rítmico entre Barcelona y Oviedo la convierten en una historia, cuanto menos, divertida.

El existencialismo, la pasión y una minuciosa crítica a la sociedad aburguesada contagian al reparto de moda entre Penélope Cruz, Scarlett Johanson y el oscarizado Javier Bardem. El poderío latino y casi natural de Bardem marca el punto de inflexión de la trama, en donde cada uno de los personajes deberá descubrir y elegir su verdadero camino vital. El trío luce espléndido y sin tapujos con un aire bohemio y romántico, especialmente Penélope Cruz en su soberbio papel de mujer desequilibrada y ahogada de amor.

La genialidad del neoyorquino destaca en la construcción de un triángulo amoroso con matices amargos y dulces pero cae, en ocasiones, en un typical spanish un tanto recalcitrante por sus pinceladas latinas dignas de calibrar con nuestra cultura. La banda sonora de guitarreo español es repetitiva al igual que alguna que otra canción que queda encajada con pinzas. La película de Allen no saca a paseo ni toros ni peinetas, pero no termina de convencer con su ambiente español, que sale a la luz un tanto forzado.

El recorrido turístico de Barcelona está resuelto de un plumazo. La mayor parte de las localizaciones trascurren en el barrio gótico de la Ciudad Condal con un estilo a veces demasiado cuidado de la realidad -como en el caso de las prostitutas sonrientes mirando a cámara- sin ni siquiera hacer referencia al mar o incluso a las Ramblas, dos paradigmas ineludibles.

Eso sí, destacable el inglés y pronuntiation de Bardem y Cruz con un sobrado notable gracias a la picardía que promueven en la trama. Las idas y venidas del español al inglés de Cruz no tienen desperdicio y dejan al desnudo una faceta de la actriz de lo más natural y simpática. Merece la pena verla en versión original, sin duda.

Lo mejor: La interprectación de Penélope Cruz.

Lo peor: La oda a lo typical spanish.

Puntuación: 4

Aunque siempre he admirado los carteles de cine, actuales y antiguos, nunca me había parado a pensar, hasta hace relativamente poco, quien estaba detrás de esos grandes lienzos.

En España, el cartel cinematográfico se extendió hacia el año 1930 cuando las productoras de Hollywood necesitaban carteles para promocionar sus películas en Europa. El cine había dejado de ser una mera anécdota, para convertirse en la fábrica de sueños, más aún con el surgimiento del star-system (de los años 30 a los 60, aproximadamente).

Aunque el arte de crear carteles siempre se ha considerado menor, tenemos que reivindicar la calidad artística de los trabajos realizados en España. Se hacían desde pequeños programas de mano a carteles gigantescos destinados a ocupar las fachadas de los edificios y pintados con diferentes técnicas: óleo, tempera… sobre papel, cartón…

Algunos de los autores más prolíficos en España y con éxito internacional fueron Soligó, Josep Renau, Tulla, José María, Piñana, Lloan, Jano o Mac… y como hablar de todos ellos es imposible, empecemos homenajeando a Mac.

MACARIO GÓMEZ “MAC” (su obra 1955-1988)

Nació en Reus, Tarragona, el 8 de marzo de 1926. Su infancia fue humilde, su padre murió cuando él era muy pequeño y su madre tuvo que sacar adelante, a duras penas, a 5 hijos. Pronto mostró sus dotes para el dibujo y a pesar de su pobreza, logró trabajar para un estudio de publicidad, en el que comenzó limpiando pinceles.

Después entraría en Esquema, dirigida por Ramón Martí, Josep Clavé y Hernán Picó, más conocida como MCP, donde empezó a bosquejar para cine y publicidad, carteles que luego pintarían otros. Con ellos realizó el afiche de Ivanhoe, por el que fue felicitado en persona por un alto ejecutivo de la Metro Goldwyn Mayer, y fue entonces cuando decidió independizarse.

Su mujer entró a trabajar en una distribuidora, conocida como Tándem Films, para la que realizará los carteles, programas de mano y otras ilustraciones para prensa, de todas las películas. Su deseo era convertir al cartel en algo más artístico, más cercano a la pintura, en especial de sus admirados Fortuny y Velázquez.

El primer cartel que firmó fue Nagana (1955) y el último El placer de matar (1988), a los que recuerda con especial cariño. Pero es imposible asociar 30 años de carrera con solo unos pocos títulos. Así que también deberemos incluir: Un tranvía llamado deseo (1956), Carmen la de ronda (1959), El CID (1961), Vidas Rebeldes (1962), El verdugo (1963), La muerte tenía un precio (1966), Los diez mandamientos (1972), Primera Plana (1974)  Los siete magníficos (1978),   y un larguísimo etcétera.

En 2006, la Filmoteca Española le homenajeó con una exposición de sus carteles más reprensentativos, una selección entre más de 6.000 obras del prolífico pintor catalán. La obra que se escogió como portada del catálogo fue La millonaria (1962), cuya actriz principal era Sophia Loren.

Y hoy en día, a pesar de que se encuentra retirado, no ha podido dejar su pasión por el cine ni por la pintura. Le gusta pintar cuadros sociales y es un experto retratista,  fruto de tantos años pintando actores y actrices para la industria cinematográfica.

Para saber más de este pintor y cartelista:

- Firmado Mac Carteles de cine de Macario Gómez, editado por el Ministerio de Cultura, VV.AA.

- Macartel: Macario Gómez obra gráfica (1955-1980), de Baena, Paco y Willis, Jimmy.

La vida de Ernesto ‘Che’ Guevara tiene todos los ingredientes para convertirse en una gran película y sin embargo el proyecto de Steven Soderbergh ha necesitado ocho años para ser una realidad. La película rondaba por la cabeza del director desde hacía tiempo, pero fue cuando conoció a Benicio del Toro en Traffic, cuando la idea empezó a tomar cuerpo.
Méjico 1955, Ernesto Guevara y Fidel Castro se conocen en un modesto apartamento presentados  por el hermano pequeño del cubano, Raúl. Así comienza y termina esta película de estructura cíclica en la que las escenas de guerrilla se entremezclan con la famosa intervención del Che en la sede de Naciones Unidas, todo fotografiado en un excelente blanco y negro. Este encadenamiento de las dos líneas temporales se presenta con un increíble montaje que resulta muy estimulante para el espectador y permite a Soderbergh presentar dos versiones del mito: El guerrillero y el político que defendió ante el mundo sus ideas.

Hay que destacar también el trabajo de los actores secundarios que le dan a la historia ese matiz de credibilidad y realismo. A destacar especialmente el joven Fidel Castro, que borda Demian Bichir o el Camilo Cienfuegos de Santiago Cabrera, que alcanzan una verosimilitud sorprendente.

El guión, escrito por Peter Bucham a partir de los propios diarios del Che, busca humanizar al mito, pero la película parece quedarse en un tercer plano, como si el director hubiera querido presentar una historia tan elegante que en ocasiones cae en la neutralidad.

Lo mejor: La fantástica interpretación de Benicio del Toro que, junto con el montaje y la fotografía sumergen al espectador en la Cuba de la revolución.

Lo peor: Soderbergh nos presenta al mito y apenas se atreve con la faceta política del Che.

Puntuación:  4

Aprovechando las nominaciones de las películas españolas a los Oscar, escribo este post para intentar reconciliar, aunque solo sea un poco, a los espectadores con el cine español. Y es que ¡el cine español también existe! Pese a tener detractores, pese a no equiparar en taquilla a las producciones americanas o a ser criticado duramente dentro del propio país, el cine español EXISTE y resiste.

Resulta anecdótico que normalmente la gente más crítica sea la que menos películas ha visto (descontando a los críticos, que valga la redundancia, lo critican todo). ¿Cómo vas a saber si te gusta o no una cosa si no la ves? Una o dos películas no bastan para hacerse una idea global ¿y si justo esa selección ha sido errónea?

Aquí propongo una lista parcelada de cine español de los años 90 (y 2 aportaciones posteriores) , con la que no pretendo sentar cátedra sobre cuales son las grandes obras del cine español, sino dar a conocer algunos pequeños tesoros con diferentes matices: cine de autor, de masas, dramas intimistas, comedias, modestas producciones.

1.- FAMILIA (1996) de Fernando León de Aranoa

Opera prima de Fernando León de Aranoa, con la que ganó un Goya a la Mejor dirección novel. Con esta película empezará su meteórica carrera, en la que después nos dejará films como Barrio, Los lunes al sol o Princesas.

Para esta película escoge la comedia, a diferencia de los tintes más dramáticos y socio-críticos con los que nos deleitará en futuras obras.

El guión parte de una escena cotidiana: un día en familia con motivo del cumpleaños del padre. Nada se saldría de lo meramente anecdótico si no fuera porque la familia no es real… ¡es alquilada!

2.- EL PERRO DEL HORTELANO (1996) de Pilar Miró.

Esta adaptación de una de las obra de Lope de Vega, permitió demostrar a la crítica internacional que no sólo se podían llevar con maestría a la pantalla obras de Shakespeare.

Pilar Miró con una excepcional fotografía, vestuario y soberbia interpretación de sus protagonistas, Emma Suárez, Carmelo Gómez y Ana Duato consigue acercar al espectador moderno una obra que versa sobre el Nápoles del siglo XVII, donde vive Diana, condesa de Belfor que se ha enamorado de su criado Teodoro y como el perro del hortelano:

“Ni come, ni comer deja, ni está dentro ni está fuera”

3.- TESIS (1996) de Alejandro Amenábar

Primera película de Amenábar, después de cortos interesantes como Luna, con el que llamó la atención del productor José Luis Cuerda que le ayudaría en la realización de esta película. Ganó el Goya a Mejor dirección novel, mejor guión original y mejor película.

Ángela, preparando una tesis sobre la violencia audiovisual, descubrirá el mórbido mundo de las “snuff-movie” y necesitará la ayuda de Chema (Fele Martínez), un fanático de las películas gore, para esclarecer todo este asunto.

Una anécdota: en la rumorología de la facultad en que estudió Amenábar se dijo que tras el estreno de la película, la policía investigó la videoteca y demás instalaciones para descubrir si allí se escondían “snuff-movies”. Si es verdad o no, no lo puedo asegurar… yo no estaba allí.

4.- AIRBAG (1997) Juanma Bajo Ulloa.

Una comedia delirante en la que tres amigos se ven involucrados en el mundo de la prostitución al tratar de recuperar el anillo de boda, perdido en un lugar muy comprometido (en todos los sentidos posibles de la palabra). En su camino se encontrarán con políticos corruptos, policías viciosos, traficantes de droga, proxenetas…

Juanma Bajo Ulloa ha realizado películas de tinte dramático y nada cómodas para la opinión pública como La madre muerta (1993) en la que plantea la posibilidad de perdonar a una persona a pesar de su violencia patológica. La atmósfera está recreada con planos oscuros y explota la mirada de los actores para emocionar al espectador.

5.- MENSAKA (1998) de Salvador García Ruiz

Esta es la segunda vez que se lleva al cine una novela de José Ángel Mañas. La primera fue Historias del Kronen dirigida por Montxo Armendáriz. Para el escritor son novelas pertenecientes a una tetralogía de la que la tercera y cuarta parte serían Ciudad rayada y Sonko 95.

La historia es sencilla, en la que nos cuenta el paso decisivo hacia la madurez de los personajes, de diferentes estamentos sociales que comparten frustraciones. La película tiene un ritmo hipnótico, en el que destaca el montaje fluido de Carmen Frías, y el lirismo de las imágenes de un barrio periférico (parte de ellas rodadas en Carabanchel), como parte fundamental de la historia.

6.- LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR (1998) Julio Medem

La película nos narra la hermosa y dramática historia de amor que viven los dos protagonistas, desde su primer encuentro en la infancia hasta los veinticinco años donde se cerrará la historia en el mismísimo Círculo Polar Ártico, en Finlandia.

Julio Medem sorprende con Vacas (1992) al mercado cinematográfico , después con La ardilla roja (1993) y Tierra (1996) para consolidarse con Los amantes del círculo polar (1998) . En sus películas se arriesga con un formato experimental. En el caso de Los Amantes del Círculo Polar está rodada la mayor parte con cámara en mano, y con una atmósfera fría, con un tono azul metálico.

7.- MARTA Y ALREDEDORES (2000): de Nacho Pérez de la Paz y Jesús Ruiz

En esta modesta producción, los directores Nacho Pérez y Jesús Ruiz, utilizan de manera acertada los pocos recursos con los que cuentan: una gran cantidad de actores por descubrir y dos interiores (la casa de Marta y la casa de Julio).

Demostrando que una película para llegar al espectador no tiene porque ser grandiosa. La estructura lineal de la trama se rompe con breves incisos atemporales de recuerdos vistos desde la perspectiva de varios personajes.

El personaje de Marta evolucionará intentando salir airosa del cúmulo de frustraciones y propósitos no cumplidos que atacan a todos los personajes que le rodean.

8.- INTACTO (2001) Juan Carlos Fresnadillo

Consiguió un hueco en el mundo audiovisual con el corto Esposados (1996), candidato al Oscar. Con el rodaje de Intacto (2001), consigue el Premio Goya al mejor director novel. La historia explota la superstición de que hay personas que son más afortunadas que otras, porque roban la energía a los que les rodea y les causan la desgracia. Aquí unos individuos buscarán a estos “vampiros emocionales” para conseguir éxito en el juego.

En 2007 dirigió la película 28 semanas después, secuela de 28 días después, dándole un tinte más violento y desesperanzado. En la actualidad está rodando con Dreamworks la película Wednesday, thriller ambientado en Los Ángeles.

9.- ALATRISTE (2006) de Agustín Díaz Yanes

¿Quién dijo que el cine español no sabe hacer superproducciones? Pues aquí tenemos una de las más caras, por no decir la más cara, del cine español. En la que se invirtió la friolera de 24 millones de euros. Adaptación de la famosa serie de novelas de El Capitán Alatriste de Arturo Pérez Reverte.

Esta película recibió el Goya a la mejor dirección artística, de producción y diseño de vestuario . Y fue candidata en casi todas las demás secciones, incluído al mejor actor de reparto, a Viggo Mortensen. Es una pena, no obstante, que después del personaje brillante que crea no quisiera que le doblasen, pues su acento resulta extrañísimo en la pantalla y nos saca un poco de la historia, sobretodo al aparecer personajes extranjeros, que no sabemos si son también españoles con acentos especiales.

10.- FUERA DE CARTA (2008) Ignacio García Velilla.

Ignacio García Velilla está detrás de series tan reconocidas como Siete Vidas o Aída. Y transmite su mismo humor a la gran pantalla. La clave de su éxito es un guión estudiado y para esta película confiesa tener hasta 26 versiones.

El protagonista es el chef de un restaurante exclusivo que sólo sueña con ganar una estrella Michellin e impresionar a la crítica. Pero en su carrera al éxito se cruza un inesperado accidente, la muerte de su ex- mujer y la necesidad de quedarse con sus hijos, a los que no ve desde pequeños. La historia está contada con ácidos toques de humor que nos hacen apreciar a los personajes más allá de su mediocridad y sus defectos.

Concluyo mi entrada con una reflexión:

Si después de ver todas estas películas, que he intentado que sean lo más variado posible en género, estilo y calidad, no te ha gustado ninguna, entonces …a lo mejor es posible… que el cine español de los 90 (que he seleccionado) no te guste. Aunque, claro, aún tenemos que hacer un repaso al cine español de los años 30, 40, 50, 60, 70 y 80, además de hablar de los nuevos realizadores y sus creaciones más recientes.

Por lo tanto abro una ventana, llamada “haz tu comentario”, en la que podéis proponer vuestras películas españolas preferidas.

Bueno pues, como todos los años, los académicos españoles han hecho oficial la terna de películas que deberá competir por ser elegida como representante para aspirar a la dorada estatuilla de Hollywood. A saber: la película de Garci de todos los años -sin estrenar ‘extraoficialmente’, como casi todos los años-, la enésima revisitación sobre nuestra Guerra Civil -que ‘masacra’ una maravillosa novela de Alberto Méndez, por mucho que eso genere polémica en este blog- y la película. Es decir, la única que tiene sentido de verdad. Sí, la de Querejeta.

Pero, no queremos ser injustos. Igual la ‘macro-producción’ de 15 millones de euros de Garci -“Sangre de Mayo”- acaba siendo un afortunado cruce entre ‘Espartaco’ y ‘Horizontes Lejanos’ aunque lo cierto es que, a día de hoy, esa es una posibilidad que sólo podrían desvelar los afortunados habitantes de Talavera de la Reina, única localidad en la que se ha estrenado la misma.

También puede que sencillamente se quede una revisión épica con el ritmillo de ‘La Colmena’ y es que a mi, que quieren que les diga, todas las películas de Garci me parecen una especie de mezcla extraña entre ‘La Colmena’ de Mario Camus y cualquier otra cosa.

Por ejemplo: ‘Canción de Cuna’= ‘Sor Citröen’ + ‘La Colmena’; ‘El Crack’= ‘Harry el Sucio’ + ‘La Colmena’ -y con Landa por el mismo precio-; ‘Ninette’: ‘MAN del mes de marzo + ‘La Colmena’. ‘Tiovivo c. 1950′= ‘La Colmena’ + ‘La Colmena’. Y así, suma y sigue.

Otra cosa que hace genuinamente española esta preselección es tanto la originalidad, como la juventud y ese carácter de ‘artesano-hecho-a-sí-mismo’ que tienen los tres autores que se batirán el cobre por llegar a ser seleccionados para el Oscar.

Recapitulemos: ‘Sangre de Mayo’ ha sido dirigida por José Luis Garci, de 64 años, ganador de una estatuilla hace como veinte y del que se suele decir que sus películas son ‘muy del gusto de los académicos estadounidenses’, cuando lo lógico sería atribuir su Oscar por ‘Volver a Empezar’ al binomio Antonio- ‘Chanquete’- Ferrandi + Agustín Gónzalez. Semejante dúo de monstruos de la telegenia no podía fallar.

Por su parte, ‘Los Girasoles Ciegos’ ha sido rodada por otro ‘yogurín’, José Luis Cuerda, que se atreve con un tema prácticamente inédito en el cine español: la represión política tras la Guerra Civil -queda aún pendiente por revisar en nuestra cinematografía la que han sufrido algunos autores a manos de determinados directores; y lo que le ha pasado a Méndez aquí sería un buen ejemplo de ello-.

Y qué decir de la -eso sí, estupenda- “Siete Mesas de Billar Francés”; aunque su directora tiene más papeletas de conseguir llegar al Teatro Kodak sin tener que pasar antes a sellar la pensión, es hija de uno de los grandes productores españoles, Elías Querejeta.

Ya: seguro que ella se defendería alegando que un padre es algo que no se elige en un casting y que la calidad de su trabajo está fuera de toda duda, pero lo cierto es que en ninguna de las tres propuestas parece intuirse una apuesta clara por los nuevos valores emergentes del cine español -ojo: otro tema es si los hay o no-.

Salvo, eso sí, que aceptemos como ‘relevo generacional’ la presencia de Maribel Verdú -que, atención al dato, sale en dos de las tres películas-, pero claro, ella no es lo podríamos calificar precisamente de un ‘nuevo rostro’ del cine español, ¿no es cierto?

Con todo, hay que romper una lanza en favor de nuestros académicos y es que sus opciones eran realmente peliagudas: era o todo lo anterior o apostar por las películas que han tenido mayor aceptación fuera de los círculos endogámicos de la industria del cine español. Es decir, ‘Mortadelo y Filemón parte 2′.

Total. Que siempre nos quedará el consuelo de ver las caritas de emoción de la Verdú si consigue pisar  alfombra, Hollywood mediante- cuidado con ella, tiene un 66,6% de probabilidades de entrar en la quiniela- y de especular con la posibilidad de que Garci vuelva a acudir a los premios con el mismo conjunto de frac blanco y pajarita que lució al recoger su Oscar en el 82.

Así pues, llegados a este punto, sólo nos queda exclamar -parafraseando a aquel-: “¡Qué grande es el cine ‘españó’!” -y olé

Recurrir a pasajes históricos para llevar a la gran pantalla es uno de los reclamos que llenan la cartelera de cara al otoño. Un arma de doble filo: la puesta en escena, la escenografía y la fotografía dan mucho juego pero las versiones anteriores juegan en contra de esa llamada del director al cine. El cineasta José Luis Garci ha debido de quedarse sólo con la primera de las pautas y así estrenará próximamente “Sangre de mayo”.

Con un reparto excepcional como Quim Gutiérrez, Paula Echevarría, Manuela Velasco o Lucía Jiménez ya parte como una de las películas preferidas para representar a España en la 81 edición de los Oscar de Hollywood, en el apartado de lengua extranjera. Aunque su estreno en ‘petit comitè’ se produjo la semana pasada en Cuenca (este paso es necesario para optar a ser seleccionada por la Academia), su debut nacional tendrá lugar el próximo 3 de octubre.

Pero el camino hacia los Oscar no será fácil ya que compite con la taquillera “Los girasoles ciegos ” de José Luis Cuerda, que en tan sólo dos semanas en cartel ha recaudado más de medio millón de euros y “Siete mesas de billar francés” de Gracia Querejeta con más de un millón en las arcas. El telón de fondo de la entrada de las tropas napoleónicas en España sirve sólo como excusa al director para narrar una historia de amor. El joven Gabriel Araceli trabaja de cajista en una modesta imprenta de Madrid. Su novia, Inés, es una guapa chica huérfana que vive en Aranjuez, acogida por su tío, don Celestino Santos del Malvar, humilde sacerdote pariente lejano del poderoso ministro Godoy.

En la visita al Real Sitio para ver a la novia, Gabriel coincide con el histórico motín del 19 de marzo contra Godoy, cuyo palacio es asaltado por la turba. Pensando en el bien de la chica, don Celestino consiente en que Inés se traslade a Madrid, para vivir con sus también parientes don Mauro Requejo y su hermana Restituta, que tienen tienda de paños en la capital. Pero allí los tales parientes convierten a Inés en una sirvienta. Gabriel, para estar cerca de su novia, en respuesta a un anuncio se ofrece como mozo en la tienda.

Con ayuda del mancebo Juan de Dios, que también se ha enamorado de la moza, intenta raptar a Inés, pues don Mauro pretende nada menos que casarla con él mismo. Y tras mucha peripecia, Gabriel consigue huir con Inés aprovechando el tumultuoso recibimiento que el pueblo de Madrid rinde al nuevo rey Fernando VII, El Deseado. Y, accidentalmente, Gabriel Araceli se ve envuelto en las feroces luchas que tienen lugar en la Puerta del Sol y otros lugares de Madrid.

Desde la productora señalan que la nominación es una noticia magnífica y ahora cruzan sus dedos con la vista puesta en el estreno nacional. Sea como fuere, la película promete ya que al reparto excepcional hay que primar la dirección de la batuta de Garci. Y es que alguien que lleva escribiendo guiones y dirigiendo desde la década de los 70 es un éxito seguro en taquilla. Trabajos como “Asignatura pendiente”, “El crack”, “El abuelo, “Tiovivo” y “Ninette”, entre otras, lo abalan.

Los superhéroes acuden al rescate de Hollywood y su crisis de creatividad. Superman o Hulk fueron los primeros en volver a la gran pantalla pero ha sido Batman el que ha llenado las salas del cine de todo el mundo con su última entrega, El caballero oscuro. Pero ¿es Batman o el nuevo Joker el que ha convertido a esta película en la segunda más taquillera de la historia?

Lo cierto es que toda buena película de superhéroes debe tener un villano a la altura, pero el Joker creado por el fallecido Heath Ledger eclipsa por completo al hombre murciélago. Solamente por sus escenas se podría catalogar la película como una de las mejores de este tipo de cine en los últimos años, pero el director, Chtistopher Nolan, va más allá, armando una película casi coral con una de las historias más complejas y entretenidas que nos ha ofrecido su género. El caballero oscuro tiene un argumento imprevisible con grandes momentos entre el humor, la acción y el delirio.

La actuación de Ledger iguala en genialidad al Joker de Jack Nicholson en la primera entrega del superhéroe dirigida por Tim Burton. El actor llegó a obsesionarse con su personaje y tras su muerte se ha convertido en un nuevo mito del cine que ha llevado a cientos de espectadores a las salas.

Tan sólo una cosa se le puede reprochar a Nolan, su película puede resultar demasiado larga. Para los seguidores del héroe de DC Cómics  todo en la película es necesario, desde el complicado inicio con la presentación de la trama y los personajes hasta el final con la aparición del mítico Dos caras. Sin embargo  muchos espectadores pueden ver en la historia un exceso de detalles que alargan la película hasta las dos horas y media.

Lo mejor: Trepidantes escenas de acción que enganchan al espectador sin resultar excesivas y sin abusar de los efectos especiales.

Lo peor: Puede resultar larga y algo complicada durante la primera media hora.

Nuestra puntuación (del 1 al 5):  un 3,5

Aunque no sea imprescindible para disfrutar del cine saber lo que es el ‘raccord’, ni tampoco nos ayudará a impresionar a los amigos (bueno, igual a alguno), si nos permitirá entender un poco más la lógica interna de las películas.

Pero ¿qué es el ‘raccord’? Es fácil de explicar pero mucho más difícil de conseguir. Las películas no se ruedan siguiendo el orden lineal de la historia. Las tomas se agrupan bien por escenarios, por presencia de actores o por necesidades de producción. Es decir, que la película puede empezar a rodarse por la última escena, saltar a la trama del medio para terminar por el principio.

Por este motivo es necesario guardar una coherencia interna entre planos, saber muy bien como está cada cosa en el momento preciso del rodaje de esa escena y como tiene que estar en el siguiente plano: que luz hay, el vestuario, los actores y sus posiciones, caracterización (si un personaje tiene una herida, ojeras…), como están colocados los objetos…

El script, o secretario/a de rodaje, es el encargado de controlar el ‘raccord’, y tiene que estar pendiente de infinidad de minúsculos detalles. Cuando se acabe una toma, apuntará cómo ha quedado cada cosa de la escena: desde la posición de los personajes hasta la cantidad de líquido que hay en los vasos o cuántos cigarrillos hay en un cenicero… de manera que cuando se retome el rodaje (ya sea al momento o una semana después) todo pueda volver a colocarse exactamente en el lugar correcto.

Imagínese que rodamos el plano de una actriz que se está vistiendo para salir de casa. Suponemos, que cuando salga a la calle llevará esa misma ropa. La escena de la casa se rueda un día y la de la calle, una semana después. Pongamos que la actriz, en la escena de la casa, ha cogido una bufanda, si cuando rodamos la escena de la calle no la lleva, esto es un error de ‘raccord’. Al espectador le da igual que haya pasado una semana entre el rodaje de las dos tomas, porque dentro de la historia, la chica se ha vestido para salir a la calle y esperamos que cuando lo haga, lleve lo que ha cogido.

Una explicación muy visual de lo que es el ‘raccord’ nos los ofrecen los chicos de Muchachada Nui en este ejemplo:

En futuros posts buscaremos algunos errores de ‘raccord’,  por lo que le invito a que a partir de ahora se fije en ellos  y comparta con nosotros los que haya encontrado.

Los girasoles Ciegos son aquellos que no ven la luz del sol y andan perdidos, como los protagonistas de la última película de José Luis Cuerda. Ambientada en la posguerra española y adaptada de la aclamada novela de Alberto Méndez, narra la agonía de una familia sumida en el secreto. En el pavor de una muerte anunciada. De personajes perdidos en busca de luz y claridad al igual que los girasoles ciegos.

La persecución ideológica del franquismo encierra a cal y canto la vida de una familia atrapada en las apariencias de un ‘cara al sol más vivo’ que nunca. Cada uno de ellos luchará por la libertad a su manera. Ricardo, Javier Cámara, escondido en un zulo de la casa y su hija Elenita, Irene Escolar, en el refugio de las tinieblas camino a Portugal. Elena, Maribel Verdú, mediará con la tensión de un diácono ultra franquista que intentará luchar contra su falta de vocación, pero el destino de los tres estará marcado por un mismo final.

De ahí que el secreto, la sinrazón y un análisis de la jerarquía eclesiástica como catalizador dentro del conflicto, centren un episodio pasado pero no olvidado de nuestro país. La emotividad acapara gran protagonismo dentro del nutrido reparto y el misterio y suspense mueven ficha en el tablero argumental. El hermetismo, las voces susurrantes en la casa y la vocación frustrada del cura recorren gran parte de la trama.

No obstante, no es una película más de la guerra civil española. No es un barrido rápido de lo que fue, si no un análisis de sus cenizas. Reflexiona sobre las tinieblas más intimas del momento político y consolida un cine sin tapujos que mira a los ojos sin pestañear capítulos de nuestra historia mas reciente.

Lo mejor: Consolida un cine que mira con madurez a nuestra historia.

Lo peor: El ritmo de la película es demasiado lento.

Nuestra puntuación ( del 1-5) es : un 3.

1. Irreversible: Abucheada por gran parte de la crítica y del público esta película de Gaspar Noé es, sin embargo, un obra poética, lúcida, desagradable y violenta.

Magnífico ensayo sobre el ‘punto de no retorno’ y la imposibilidad de cambiar el devenir de los acontecimientos, su director acierta con un montaje salvaje y matemático y, mediante varias idas y venidas en el tiempo alrededor de la salvaje violación -fruto del azar- de su protagonista, compone una película hipnótica, con un ritmo perfecto amplificado por los acordes de la sinfonía número 7 de Beethoven.

Gracias al uso de la fotografía y de los colores para señalar la cercanía o distancia al momento del infortunio -cálidos cuanto más lejanos, vibrantes en la escena de la violación, oscuros en las posteriores- Noé compone un bellísimo collage de amor, miseria y venganza nada apto para paladares sensibles. 

Estarán de acuerdo: Los que piensan que Monica Belucci supone para el cine la misma aportación que Ferrari para el mundo del motor. Los que aprecien el valor de la sutileza que late en una película que contiene la que posiblemente sea la más espantosa y desagradable secuencia jamás filmada. Los que sepan apreciar ese hito absoluto que supone la escena de la siesta de los personajes de  Cassel y Bellucci y la frase premonitoria que ella pronuncia: “he soñado con un tunel que se partía en dos…”

No estarán de acuerdo: Los fans de las películas de Walt Disney y José Luis Garci. Los cinéfilos de naúsea fácil. Las típicas personas de, digamos, mal paladar para los montajes complejos -”…pero esto es ¿antes o después de aquello?”. Nota: estos últimos mejor que eviten también Memento.

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2. El Resplandor: Otra película despreciada por la crítica en su momento, pero que después conseguiría ser reconocida como una de las experiencias más fascinantes de la historia del cine de terror. Este film de Kubrick es una muestra perfecta de la concepción sumamente artificial de tito Stanley a la hora de plantearse una película -algo que le hermana con Hitchcock-; es decir, el cine entendido como ejercicio de maestria técnica más que como mera filmación de emociones.

El desastroso montaje final -que fue cambiado varias veces y del que existen dos versiones , muestra del grado de confusión que tenía Kubrick sobre su obra-, la actuación de Jack Nicholson -batiendo todos los récords de tics por minuto-, el histerismo de Shelley Duvall y la fascinante fotografía, para la que Kubrick empleó por primera vez la flexible steady-cam -consiguiendo esos fascinantes planos de Danny sobre su triciclo-,  acaban configurando un circo cinematográfico de tres pistas que fascina, causa rechazo y aterroriza a partes iguales y que ya es una obra maestra imprescindible dentro de su género.

Estarán de acuerdo: Los que piensen que Jack Nicholson nunca está mejor que cuando se suelta la melena. Los fanáticos de Kubrick. Los que no son  fanáticos de Kubrick pero odian a Stephen King -lo que supone tener algo en común con el inmortal director, visto el destrozo que hizo con la novela original-.

No estarán de acuerdo: Los amantes del cine de Truffaut. Los que piensen que toda película debe contar una historia coherente. Y, sobre todo, aquellos que piensen que la labor de continuidad en una película es importante -¿qué demonios pinta un álbum de recortes que no sale en toda la película en un determinado momento junto a la mesa de Nicholson-Torrance?-

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3. Safe: Para los que crean que la máxima expresión como actriz de Julianne Moore es el de su frustradísima y camp ama de casa de ‘Lejos del Cielo’, conviene revisar otra película, más antigua pero del mismo director, Todd Haynes. Este aséptico descenso al infierno, que cuenta la agonía de una muy pija y sosa mujer de su casa que se ahoga, literal y espiritualmente, fruto de una misteriosa enfermedad, consigue alguno de los momentos más brillantes del cine independiente norteamericano. La metáfora del individuo que es silenciosamente asesinado por la modernidad new-age es, sencillamente, impagable.

Estarán de acuerdo: Los que admiren el estilo geométrico y frío de Haynes y todo tipo de ‘fans’ de películas de terror ‘emocional’. Los nostálgicos del look de los 80 -pese a que es una película de los 90-. Todo tipo de personas desesperadas por la tapicería del mobiliario de su salón.

No estarán de acuerdo: Los que opinan que Julianne nunca podrá superar su increíble escena de la farmacia de Magnolia. Los fans de las películas de Tom Hanks, Meg Ryan y Julia Roberts. Alérgicos o, sencillamente, adictos al Ventolín, mejor abstenerse.

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4. Titanic: Esto va a escocer, lo sé. Pero el hecho es que el amigo Cameron, además de gustarle más los FX que a Michael Jackson un lifting, es todo un artista del montaje y lo demuestra en esta archi-mega-producción sobre el barco menos insumergible de la historia, que estuvo a punto de costarle la carrera -por lo dilatado del rodaje y su abultado prespuesto-, pero que, al final, le supuso una auténtica lluvia de Oscars y de dinero.

Pese a lo insoportable que puede parecer a simple vista -que Céline Dion aparezca en su BSO ya es un mal augurio- la combinación entre cine de acción e historia de amor ‘más-grande-que-la-propia-vida’, salpicada por descacharrantes efectos digitales, consigue obrar el milagro. Cameron se cree lo que cuenta, sus actores consiguen sorpresivamente desarrollar algo parecido a la química y un montaje ‘redondo’ acaba por rematar una película algo irregular, pero que convence y emociona. Se trata, seguramente, del mejor ‘melo’ que haya producido Hollywood en casi dos décadas. Y es que no todo iba a ser cine de arte y ensayo…

Estarán  de acuerdo: Los fans de las películas ‘de siempre’. Los que piensan que una buena película tiene que entretener y transmitir emociones. Los amantes de llorar a moco tendido en el cine. Y, sobre todo, aquellos que piensan -más de un crítico sesudo y la Academía de Cine estadounidense; no confundir entre ellos, eso sí- que la interpretación de Kate Winslet es, sencillamente, sublime.

No estarán de acuerdo: los que la vean doblada -sí, lo siento-, los amantes del cine de José Luis Cuerda y José Luis Garci. Aquellos que suelen decir eso de “yo, es que si no se casan al final, prefiero no ir a ver la película”.

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5. Crash: La buena es la de Cronenberg, no la de Haggis. Exacto, la que aquel sesudo crítico definió como un “auténtico rosario de fornicaciones”. El caso es que el retorcido cineasta canadiense nos regaló en los 90 una de sus películas más grandes, con un reparto de infarto y una maestría a la hora de filmar que convirtió la contemplación de los accidentes de tráfico en pura fascinación.

Cronenberg posiblemente consigue lo más difícil a la hora de realizar una película: reinventar completamente el universo que nos rodea y convertirlo en un -erótico- amasijo de hierro y metal reluciente. Una Deborah Kara Unger en estado de gracia, un guión que es pura poesía posmoderna, extraído de una novela del genial J.G. Ballard, y una fotografía sublime sirvieron para consolidar -aún más- el carácter de genio de su director… en lo que fue una de las películas más censuradas de los últimos tiempos. Toda una joya políticamente incorrecta.

Estarán de acuerdo: Los que piensan que Cronenberg es uno de los grandes cineastas malditos de la historia del cine. Los apasionados de los tour de force interpretativos y los argumentos, a priori, imposibles. Los que piensen, como los futuristas italianos, aquello de que “un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia”.

No estarán de acuerdo: Los que asuman la trama en su literalidad. Los detractores del erotismo trash y los poco amigos de ‘jueguecitos’ fuera de los tópicos lugares a los que la humanidad está acostumbrada. Trabajadores y afines a la DGT en general o, directamente, Rubalcaba, en particular.

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