La Naranja Metálica

No he podido evitarlo, esta entrada tenía que surgir. El verano me ha llevado a los cines una y otra vez. Tanto a la versión original como a la doblada.

Y es en esta segunda donde se me ‘han revuelto las carnes’.

Me considero una respetuosa del doblaje, aunque suela preferir la versión original. Sigo la teoría de que si no quieres ver algo doblado, no lo veas, pero ¿por qué prohibírselo a los demás? Lo importante es tener opciones.

PRIMERA PIFIA

En fin, pues ahí estaba yo, enfrentándome a la nueva película de Shyamalan ‘Airbender, el último guerrero’ cuando, horror, me di cuenta que la estaba viendo doblada y que ¡había niños que doblaban a los niños protagonistas! Gran pifia. No digo que no haya auténticos genios que hagan prodigios, pero no es el caso.

La chica que pone la voz a Katara es floja, pero es que el niño que dobla ¡al protagonista! nada menos, da auténtica vergüenza ajena. Y es una pena, porque el resto del reparto está verdaderamente bien.

La pregunta sería, si tienes a alguien que está empezando ¿no sería mejor darle papeles cortos y no los protagonistas?

SEGUNDA PIFIA

Otra gran pifia, perdón quería decir moda, es poner a gente famosa a doblar películas. Ésto sirve para mejorar el marketing: ‘no se quién dobla al protagonista de no sé qué película…’ pero no suele traer nada bueno. Por dos razones principalmente:

1) En este país el doblaje es una profesión bastante denostada y casi ningún actor se preocupa en formarse en este ámbito, aunque luego pueda serles útil, como para doblar películas de animación.

Y 2) La premisa del todo vale… (que no debería valer) porque un humorista no tiene por qué saber doblar, un cantante no tiene por qué saber doblar, un actor no tiene por qué saber doblar… etc.

Me vienen a la cabeza dos casos especialmente sangrantes:

- ‘School of Rock’ con Dani Martín (El canto del loco) en la piel de Jack Black
- o los cantantes de Pignoise poniendo sus voces a los monos de ‘Space Chimps: misión espacial’.

Ahora tenemos a la vista uno nuevo con ‘Gru, mi villano favorito’ donde han fichado a Ana de Armas para uno de los papeles protagonistas. Oye, es posible que lo haga de miedo, que ya he dicho que las excepciones también se dan, pero permitidme un poco de escepticismo al respecto.

TERCERA PIFIA

Y ya que estamos hablando de grandes pifias, hablemos de una tercera: actores que se doblan a sí mismos. Por poner un ejemplo no muy manido, Penélope Cruz tuvo que doblarse en algunas escenas de ‘La celestina’ y hay que decir que quedó un tanto extraño. Y otro caso similar se dio en ‘Alatriste’ donde se mantuvo la voz de Viggo Mortensen hablando español, con un ligero inconveniente ¡el acento! que sacaba al espectador constantemente del personaje, que se supone tan castizo.

En definitiva, que errores cometemos todos, lo bueno sería aprender de ellos.

///****** Rectificación ******/////

Aprovecho y aclaro que Penélope Cruz fue doblada por Mar Bordallo en ‘Woman on top’ que antes se me ha colado en el texto.

Hayao Miyazaki ha sido considerado como uno de los mejores animadores del mundo que sigue en activo. Es un ferviente defensor del trabajo de ‘la vieja escuela’, o lo que es lo mismo, de la creación de las películas haciendo los dibujos manualmente. Ha sido el único autor en conseguir un Oscar y un Oso de Oro, que ganó con ‘El viaje de Chihiro’.

Para los más despistados, diremos que Hayao comenzó su carrera en los estudios Toei Animation, en Japón, animando series como ‘Sherlock Holmes’, ‘Heidi’ o ‘Ana de las tejas verdes’. Su deseo de realizar sus propias obras, le llevó a desligarse de estos estudios para realizar películas de animación.

La obra de Hayao Miyazaki ha ido haciéndose un hueco en el panorama internacional de manera progresiva. No solo por la belleza de sus imágenes, sino por su particular estilo, por la profundidad de sus historias y por los valores que prodigan sus películas como la amistad, el respeto a los ancianos, la lucha contra el materialismo, el pacifismo y una auténtica veneración al medio ambiente.

En España no hemos disfrutado de su trabajo en orden cronológico. Por poner un ejemplo, este viernes 7 de mayo se estrena la versión íntegra de ‘Nausicaä en el valle del viento’ la primera gran obra de Miyazaki que fue creada en 1984 y que supuso el origen del estudio Ghibli.

Este estudio, creado por Miyazaki y Isao Takahata (director de series clásicas de los estudios japoneses de Toei como ‘Heidi’ y ‘Marco’), le ha permitido realizar las películas tal y como él ha querido, dejando títulos inolvidables:

‘Nausicaä, el valle del viento’ (1984); ‘El castillo del viento’ (1986); ‘Mi vecino Totoro’ (1988); ‘Nicky, la pequeña bruja’ (1989); ‘Porco Rosso’ (1992); ‘La princesa Mononoke’ (1997); ‘El viaje de Chihiro’ (2001); ‘El castillo ambulante’ (2004) y ‘Ponyo en el acantilado’ (2008).

ALGUNAS CLAVES DEL CINE DE MIYAZAKI:

- Es personaje protagonista siempre es femenino. Normalmente una niña, aunque en ocasiones puede ser también una adolescente como Nausicaä o Mononoke. Incluso en ‘El castillo ambulante’ tendremos a Sophie, de 19 años, convertida en una anciana de 90. Las únicas excepciones a esta regla están en Porco Rosso y Lupin, ambos varones (bueno, uno es un hombre convertido en cerdo).

- El protagonismo femenino, no resta para la necesidad de un compañero de viaje masculino. Nos encontraremos así con Ashitaka, Pazu, Sosuke, Howl, Jiji…

- La figura paterna y materna está muy diluida. La madre de Miyazaki padeció tuberculosis, y le hizo estar 9 años en cama. Esto marcó la niñez de Hayao y en sus películas, los niños desarrollan su historia a una distancia prudencial de sus padres.

‘Nausicaä del valle del viento’ busca la manera de curar a su padre enfermo; en ‘Mi vecino Totoro’ la madre de las protagonistas está en el hospital, muy enferma; en ‘El viaje de Chihiro’ los padres de nuestra heroína se han convertido en cerdos y debe encontrar cómo rescatarlos.

Otra variante la encontramos con ‘El castillo ambulante’ o ‘Ponyo en el acantilado’ la madre de Sophie y Sosuke actúa casi como una hermana más que como una madre e incluso son más irresponsables que sus propios hijos.

Temas recurrentes:

- La aviación siempre está presente. En todas sus películas, al menos hay una escena dedicada al vuelo. Con diferentes variantes: aparición de originales aviones, persecuciones aéreas, dragones como en ‘El viaje de Chihiro’. La pasión por todo lo aéreo, le surgió a raíz del trabajo de su padre y su tío, que dirigían una sociedad que creaba timones para aviones. Pronto volcaría en el dibujo toda su imaginación creando los más dispares elementos voladores.

- La ecología: la destrucción del medio ambiente provoca la destrucción del equilibrio. La naturaleza se rebela en numerosas ocasiones contra el ser humano. En el caso más extremo está ‘La princesa Mononoke’  donde los dioses del bosque se han cansando y buscan castigar y destruir a los humanos.

- La guerra, siempre está presente en las tramas secundarias. Por ejemplo ‘En el castillo ambulante’ el mago Howl se oculta bajo numerosos pseudónimos para evitar luchar en una guerra sin sentido. En ‘Nausicaä’ la guerra ha destruido y contaminado la Tierra…

- La magia. La fantasía es el marco por antonomasia. La magia ha convertido en cerdo a ‘Porco Rosso’, hace volar a Sheeta, permite a Nicky ayudar a sus amigos, maldice a Ashitaka y propicia que los animales hablen, ayuda a Chihiro en su viaje y consigue que la pececita Brunilda se convierta en la niña Ponyo.

El encargado de distribuirlo en España actualmente es Aurum, que está reeditando los DVD y estrenando nuevamente algunas de sus obras, como es el caso de Nausicaä.

La dirección de doblaje en España corre a cargo en la actualidad de Alfonso Laguna, con el que ya tuvimos un encuentro digital hace un tiempo.

Si, definitivamente este es el año de los ratones. Si el ratoncito Pérez nos dejaba su magia y su ilusión, ‘El valiente Despereaux’ nos deja sus ideales nobles y su gran corazón. Lo podremos disfrutar en pantalla grande a partir del viernes 19 de diciembre.

Despereaux es un ratón fuera de lo común, tiene unas orejas grandes, le gusta hablar con humanos y es ¡valiente!. Sus ansias de conocer todo lo que le rodea le llevan a la biblioteca real, donde lee una novela de caballería de la que pronto se siente parte.  Y predicando sus valores quijotescos, se desarrolla este cuento donde lo más importante es el perdón, el valor y la esperanza.

Esta película es la adaptación del relato de Kate DiCamillo ‘Despereaux: el cuento de un ratón, una princesa, algo de sopa y una carrete de hilo’ que estuvo 96 semanas en las listas de los libros más vendidos del New York Times. Contó con un presupuesto de 60 millones de dólares y con un equipo de lujo, encabezado por el director de animación,  Sam Fell,  el animador Rob Stevenhagen y  la empresa de efectos visuales Framestore Animation, con sede en Londres.

Framestore ya participó en el cine anteriormente con la creación del hipogrifo de ‘Harry Potter’ y el oso polar de ‘La Brújula dorada’, pero éste es su primer largometraje, en el que buscaban la estética de una película tradicional ‘hecha a mano’. Y lo consiguen.

La mimada animación, que es una maravilla contemplar, dota de especial importancia a la luz,  que es un personaje más. En cada uno de los reinos de Dor, es distinta: en el mundo de los humanos, está tamizada por la tristeza; en el mundo de las ratas, no existe la luz natural y en el mundo de los ratones, entra a raudales por una de las ventanas y es la salvación final.

El conflicto entre lo que somos, lo que queremos ser y lo que los demás ven, también está presente haciendo que los personajes cambien según sean tratados: Despereaux, es un ratoncito pequeño pero que se siente un gigante; Roscuro -la rata que inicia toda esta trama- es un aventurero noble, para los que no le conocen… una ¡rata! (y grito subsiguiente); Migg es una criada que sueña con ser princesa y la princesa Esperanza, sueña con tener una vida normal.

REMINISCENCIAS A OTROS CUENTOS

Esta historia es un cuento dentro de un cuento. La acción discurre con especial gracia y dinamismo.

El decreto real es, como en otros muchos cuentos, el catalizador de la desgracia. En ‘La bella durmiente’ se prohíbe el uso de las ruecas, en ‘La princesa que no reía’ uno no puede reírse y en Dor queda vetado hacer sopa.

Desvirtúa un poco su innovación, el hecho de que su inusual protagonista, ya no nos resulta tan extraordinario. De un tiempo a esta parte, todos los héroes son ratones: ‘Ratónpolis’, ‘Ratatouille’, ‘El ratoncito Pérez’ y secuela, entre otras más antiguas: ‘Fievel‘, ‘Los rescatadores’ o incluso ‘La maldición de las brujas’.

EL DOBLAJE

Los que disfruten la película en versión original, escucharán a Matthew Broderick interpretando a Despereaux,  Dustin Hoffmann será Roscuro, Emma Watson -Hermione Granger en Harry Potter- es la princesa Esperanza y Sigourney Weaver la narradora de lujo.

En la versión española, me alegro profundamente de que hayan decidido confiar la película a actores de doblaje, y contamos con la voz de Jordi Pons -voz habitual de Michael J. Fox- como Despereaux, Pep Antón Muñoz -voz habitual de Hugh Grant o Billy Bob Thornton- es Roscuro, la voz princesa Esperanza es puesta por Michelle Genner - que puso la voz a Emma Watson en el doblaje de las 4 primeras películas de Harry Potter y es más conocida por su papel Sara Miranda en Los hombres de Paco-  y la narradora es Julia Otero.

LO MEJOR: Hay diálogos especialmente brillantes y personajes como Roscuro, que es uno de los más redondos que he visto nunca en un cuento, cargado de arrepentimiento, ilusión, aventura, sed de venganza y buen corazón.

LO PEOR: La sensación de … ¡esto ya lo he visto!

El fascinante mundo del doblaje es tan odiado como desconocido. Y parece ser que no hay punto medio, o te gusta o te horroriza:
- Doblaje NO: “Es un obstáculo a la interpretación del actor, es artificial”
- Doblaje SI: “¿Versión original? ¡No quiero ir a leer al cine!”

No voy a negar que un actor al ser doblado pierde la baza de su interpretación en gran medida: inflexiones de voz, su acento, su pronunciación, su entonación. Sobretodo si es buen actor. Pero también creo que el doblaje tiene sus bondades y más en España donde contamos con actores verdaderamente buenos.

Tampoco comparto la visión de la segunda tendencia, leer no es el propósito de ir al cine a ver una película en V.O. Se trata de escuchar y si se conoce el idioma, intentar comprender las estructuras gramaticales, los giros del lenguaje y sus matices…

Aunque esto de captar los matices me parece un poco aventurado. Primero, por que no creo que eso sea posible a no ser que seas bilingüe del idioma en cuestión (que mucho se habla de la versión original, pero siempre orientada al inglés y se olvidan claramente de otros muchos idiomas. ¿Alguien puede poner el corazón en la mano y decir que puede enterarse de las diferencias entre la traducción y la versión original de una película en chino?)

Y el que confía en los subtítulos ciegamente por su fidelidad al original se engaña y sino que haga la prueba poniendo un DVD en español con subtítulos y se llevará más de una sorpresa. Su número de caracteres y tiempo de aparición limitado afectan a la traducción. Fieles, lo que se dice fieles, no son.

En defensa del doblaje diré que no estoy para nada de acuerdo en que interfiera en el aprendizaje de los idiomas, más bien me parece que es un problema del sistema educativo. Y hoy en día es un mensaje manido y más con la existencia de los DVD, donde puedes elegir el idioma.

A pesar de la furia con la que es criticado yo creo que está ofreciendo una alternativa. Nadie está obligado a ver las películas dobladas si no quiere. Si el doblaje desapareciera ya no habría opción. Sería una imposición. Es cierto que el circuito en versión original debería ampliarse para que la competencia fuera más justa y así también desaparecería la atmósfera elitista de los cines en V.O.

Si queremos profundizar un poco en el mundo del doblaje, tenemos que tener en cuenta que actuar y doblar no sigue la misma técnica interpretativa, aunque en un principio parezca que sí. Un actor de doblaje sabe hablar y actuar. Un buen actor de doblaje podrá actuar, pero un buen actor no tiene por qué saber doblarse.

Y este error debería enmendarse, ya que aunque se piensa en el doblaje para doblar del original a otro idioma, en cine es habitual doblar de un 15 a un 30% del metraje, según las necesidades de sonido. Lo que se traduce en que la mayoría de los actores van a tener que doblarse a sí mismos y deben aprender a hacerlo. Por esto el doblaje debería estar presente en todas las escuelas de actores. Así nos ahorraríamos bochornosos doblajes como “El abuelo” o “Entrevista con el vampiro” donde Antonio Banderas demuestra que saber actuar no es saber doblarse.