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Gran muestra de túnicas andinas en el MET. Hablamos con la comisaria de la exposición, Julie Jones.

Mircoles, 25 Mayo 2011

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La gran exposición del Metropolitan Museum de Nueva York organizada por el  Costume Institute sobre la figura de Alexander McQueen ha eclipsado mediáticamente otra de las exposiciones actualmente en cartel que pueden de ser de gran interés para los amantes de la moda. Al menos a mí me fascina. No he podido verla en persona y creo que me la terminaré perdiendo porque no tengo programado ningún viaje a ultramar antes del 18 de septiembre, fecha en que cerrará sus puertas The Andean Tunic, 400 BCE – 1800 CE (La Túnica Andina, 400 a.C. – 1800 d.C.). Pero no dudes de dejarte caer por el museo si tienes pensado pasar tus vacaciones en Nueva York, te aseguro que merece la pena.

Los indígenas del noroeste del continente sudamericano aún hoy son de sobra conocidos por ser unos creadores de tejidos magistrales e ingeniosos, especialmente en lo que respecta al diseño de textiles. A pesar de la simplificación conceptual de la que muchos somos presos respecto a la identificación de culturas indígenas, como la Inca, lo cierto es que en entramado de culturas de la América Precolombina era rico y diferencial (recomiendo una novela recientemente publicada por la editorial Grijalbo del historiador Alfonso Mateo-Sagasta y que se titula Caminarás con el sol, donde podemos ver lo complicada que eran las relaciones entre tribus y culturas americanas).

He Tenido la suerte de poder hablar con Julie Jones, comisaria de esta exposición, comisaria responsable del Departamento de Arte de África, Oceanía y Las Américas del MET.  “Lo que encuentro más interesante de las túnicas andinas es la continuidad de la forma a lo largo de un periodo de tiempo tan largo y la cantidad de variaciones que se encuentra dentro de esas líneas maestras básicas” me explica la comisaria intentando hacerme comprender que no se puede ser reduccionista al hablar de ‘culturas andinas’ en general. “El reto de montar esta exposición residía en cómo seleccionar un grupo de túnicas que pudiera ilustrar significativamente los cambios que se dieron durante todo el periodo que abarca así como la distancia geográfica entre unas y otras piezas, y las fronteras políticas”.

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No estoy segura de lo que los amantes de la moda pueden encontrar asombroso en esta exposición, pero la gran variedad de colores fuertes, las técnicas con que se realizan las túnicas y los dibujos a veces organizados de manera matemática seguro que los intrigará”. A mí personalmente me intrigan las diferentes funciones que motivan esos dibujos tan elaborados y herméticos. “Los dibujos tienen indudablemente muchos significados pero no siempre hemos conseguido desentrañarlos hoy por hoy. Como bien sabes –me dice– no había un sistema de escritura indígena en los Andes prehispánicos, y eso complica el trabajo”.

Tras leer el libro que antes he mencionado y la sorpresa que me ha causado ver las piezas de esta colección, aunque solo haya sido en fotos, debo admitir que cuando pienso en culturas antiguas tiendo a asumir cierto grado de primitivismo en su indumentaria, lo que es evidente visto lo visto que no se ajusta a la realidad. “Creo que la cultura andina es ciertamente de las culturas Precolombinas menos conocidas por el público en general en Estados Unidos, y posiblemente en Europa”.

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Link a la exposición.

Cuestión de cultura “fashion”

Lunes, 26 Enero 2009

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Una guerra por hacerse con el (¿cómo llamarlo?) “patrimonio fashion” se ha desatado en el Reino Unido. El gobierno británico de Su Graciosa Majestad está demorando temporalmente su decisión sobre el permiso de exportación de 11 de los vestidos de Madeleine Vionnet para ver si consiguen reunir el dinero para comprarlas y que estas piezas se queden en el país. El Department for Culture, Media and Sport dijo el pasado viernes que le gustaría que algún museo británico se quedara con estas auténticas joyas entre las que se incluyen verdaderos tesoros como un vestido de chantilly negro con lazos de terciopelo de 1938 y un traje de noche en tul durado de 1939. El actual poseedor de estos 11 vestidos, que no se ha dado a conocer, ha pedido exportarlos porque el Musée des Arts Décoratifs de París está interesado en adquirirlas. Este museo ya posee gran parte de la obra que la diseñadora donó personalmente en 1952, y están planeando una magna exposición sobre la creadora francesa que abrirá sus puertas en junio. Los vestidos de la disputa fueron adquiridos directamente del atelier de Vionnet por una misma clienta entre 1929 y 1938, y el Ministerio de Cultura británico ha tasado un justiprecio de 450.000 libras que espera se reúna antes del 22 de abril, fecha fijada para tomar la decisión sobre la licencia de exportación pedida. 

Ojala el “patrimonio fashion” fuera tan valorado en España en sentido amplio. España, para ser verdaderamente una potencia en el diseño de moda, debe conocer bien el presente del sector, cosa que gracias a las nuevas tecnologías y al esfuerzo de los medios digitales no es difícil. Pero más necesario es conocer su futuro (avances técnicos, innovaciones en tejidos, futuras tendencias de consumo…) y el pasado. Y ahí patinamos un poco. ¿Quién se ocupa de recuperar la memoria de los modistos pre-democracia? Parece que todos aquellos que trabajaron en la moda antes del 1975 están condenados al olvido. ¿Suenan los nombre de Herrera y Ollero, Pedro Rovira, Carlos Berges, Eusebio Márbel…? Pues debería realizarse una activa recuperación de nombres y una exhaustiva puesta en valor, como los franceses, británicos y americanos hacen con los suyos. Menos mal que nos queda El Museo del Traje, aunque sus recursos no estén a la altura de su misión y se vean sometidos a la obligación de desplegar toda su imaginación y buen hacer para compensar las limitaciones. 

¿Por qué no existe en España una gala como la del MET donde la flor y nata de la sociedad se reúna para homenajear el pasado de la moda y ayude a revalorizar su presente luciendo con soltura fantásticos vestidos nacionales sobre una espléndida alfombra roja? Ah, claro, porque los Americanos tienen una cultura museística donde se filtra la eficiencia de la gestión empresarial, y para nosotros nosotros… la cultura es eso de lo que se ocupa el Estado, ¿no? ¡O peor! “La moda es una frivolidad y no es cultura de verdad”.

Noche de Gala en el MET de NY

Lunes, 5 Mayo 2008

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Esta noche, hora de Nueva York, se celebra el segundo evento de ‘alfombra roja’ más esperado dentro del mundo de la moda. En el ranking de momentos fashion del año, por detrás de la entrada a la Gala de los Oscars, y antes del desfile de estrellas del Festival de Cannes, tenemos la célebre cena de la gala benéfica que organiza anualmente el MET de Nueva York para presentar en sociedad las magnas exposiciones ideadas por The Costume Institute. Uno de los momentos donde la Alta Costura deja las pasarelas para pasearse por la calle, aunque sólo sea por la alfombra roja del Metropolitan Museum

Este año la exposición lleva por título ‘Superheroes: Fashion and Fantasy’ y es un recorrido por el cruce de influencias producida entre los mundos de la moda y el cómic durante los últimos setenta años. La exposición estará abierta al público desde el 7 de este mes hasta el 1 de septiembre, y ha sido posible gracias a la usual dirección de Condé Nast y al soporte prestado por Giorgio Armani, que será uno de los anfitriones de la gala junto a la todopoderosa editora de Vogue, Anna Wintour, y las estrellas del cine George Clooney y Julia Roberts

Así que hemos desempolvado de nuestro Fondo de Armario los leotardos de super-heroes y hemos hablado con Andrew Bolton, comisario del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art, responsable de esta muestra bajo la supervisión de Harold Koda.  

¿Cómo nació la idea de esta exposición? Está en parte inspirada por la novela de Michael Chabon que ganó el Pulitzer “The Amazing Adventures of Kavalier and Clay” (Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay. Ed. Mondadori). Tras leerla empecé a ver a los superhéroes en términos de su impacto simbólico y metafórico, que es justo lo que da forma a la tesis de esta exposición. 

¿En qué sentido la moda se ha visto más influenciada por los superhéroes? Iconográficamente. Los diseñadores de moda se han inspirado frecuentemente en el impacto gráfico de los uniformes de los superhéroes, en los brillantes colores primarios, y en emblemas identificativos. También se han inspirado en los componentes propios de los uniformes como la capa, mallas, etc… 

¿Y viceversa? ¿Los dibujantes de cómics son permeables a la moda? Por supuesto. Recientemente, por ejemplo, se han visto influenciados por los movimientos urbanos como el punk, el grunge y el estilo motero. 

¿Cuál crees que es el personaje de cómic con más sentido de la moda? Probablemente Catwoman. Ha cambiado de uniforme al menos en seis ocasiones. Dos de esos cambios fueron consecuencia directa de cómo se la ha representado en la televisión y el cine, por la encarnación del personaje por Julie Newmar en la serie de televisión ‘Batman’ y por la interpretación de Michelle Pfeiffer en ‘Batman Returns’. 

¿Cuál crees que ha sido el momento más brillante del cómic en cuanto a moda? La creación de Superman en 1938. Superman fue el primer superhéroe, y su uniforme de leotardos, calzones, capa, cinturón, y botas, sentaron el estándar que seguirían los siguientes personajes.  

¿Cuál es el principal reto de organizar una exposición como esta? Probablemente hacerse con las piezas a exhibir. Uno parte de una lista ideal de piezas, pero no todo está disponible, así que la lista de prendas (y por tanto los temas) de la exposición van cambiando constantemente. Siempre es difícil componer tu exposición ideal en términos de préstamos disponibles y teniendo además en cuenta el diseño de la muestra en sí. Pero a menudo este ejercicio hace el resultado final más interesante.