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Antonio Azzuolo, diseñador: “Trabajo en la sutil frontera entre lo novedoso y lo viejo”

Martes, 28 Octubre 2014

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El diseñador Antonio Azzuolo 

Antonio Azzuolo es uno de los diseñadores de moda masculina más interesantes y con más talento que conozco. Su manera de partir de los códigos de la sastrería clásica y el modo en que los retuerce para sacarse de la chistera algo completamente nuevo es lo que lo hace irresistible. Nacido en Montreal, de ascendencia italiana, le conocimos en los 90s cuando gano en Festival de Hyères, un verdadero vivero de nuevos talento que ha nutrido a la moda internacional. Después de trabajar en firmas como Hermés o Kenzo, se traslada en el 2000 a Nueva York, donde seguirá como freelance hasta recalar Ralph Lauren donde ocupa el puesto de director de diseño para Ralph Lauren Purple Label y Ralph Lauren Black, las líneas más exquisitas de la firma. Pero es en 2008 cuando lanza su propia firma, a.a. antonio azzuolo. Con la excusa de mostraros su maravilloso trabajo para este otoño, aprovecho y converso con él sobre su visión de la moda masculina en los tiempos que corren. Deleitaros con su trabajo.

¿Cómo ha evolucionado tu concepto de la moda y el estilo desde los días en que participaste en el Festival de Hyères? En cierto modo ha evolucionado bastante y en otros aspectos nada de nada. Espero que se haya vuelto en más ligero y menos premeditado. Creo que de alguna manera la mejor diseño es el que parece sencillo o sin creo que debe parecer fácil y natural, algo que es una tarea nada sencilla.

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Su trabajo se basa en la mutación de los conceptos de la sastrería tradicional

Tus colecciones tienen un encanto especial donde se mezcla el allure europeo con el pragmatismo típico de la moda estadounidense. ¿Cómo se llega a conjugar estas dos actitudes tan diferentes? Supongo que esto es reflejo de mi herencia italiana y norteamericana, a medio camino entre dos continentes, o más bien bendecido por un background multicultural. Son dualidades que trabajan y juegan entre sí.

Para esta temporada lanzaste tu primera colección de mujer. ¿Cómo te enfrentas al reto de diseñar para las mujeres? Era una especie de progresión natural. Es muy similar a nuestra colección masculina, solo que como una contrapartida femenina. A menudo no distingo necesariamente la cuestión del género, es más un estado de la mente y del espíritu que un individuo busca y quiere manifestar.

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Sus prendas merecen ser vistas desde todas las perspectivas dada la riqueza de sus estructuras 

¿No crees que la moda masculina es más emocionante porque queda todavía todo por inventar? Creo que es una manera muy positiva y joven de mirar la moda masculina. Puede que estemos viviendo un momento emocionante y probablemente seguirá progresando de esa manera… espero. Pero todavía vivimos en unos tiempos bantantes conservadores. Quizás sería de agradecer una revolución definitiva en la moda masculina. ¿Lo estamos viendo cada vez más y más? No estoy seguro de poder aseverarlo, pero yo espero que sí. Mientras tanto vestir al hombre continúa siendo un reto… Un reto hermoso gracias a la herencia de la moda masculina, pero aun limitando en algunos aspectos.

¿Es Nueva York una plaza difícil para triunfar en la moda? Hay lugares más difíciles para tener éxito en la moda. No, Nueva York inspira el éxito, o al menos un cierto tipo de éxito. Es un lugar difícil para vivir, en general, debido al ritmo frenético. Es un lugar que promueve las grandes marcas de gran presupuesto o las grandes inversiones de dinero en ideas inteligentes. Las estructura más pequeña que son más manejables y más de la vieja escuela son difíciles de sostener.

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La influencia del streetwear suele dejar sentir su sutil influencia en sus creaciones también 

Me encanta como retuerces los códigos de la sastrería clásica en tu última colección de otoño/invierno. ¿Qué límites te autoimpones a la hora de mutar los tradicionales códigos de la sastrería clásica? Tal vez los límites del buen gusto, tal y como yo lo concibo, o líneas limpias. Ojalá pudiera romper esas barreras más, pero siempre se puede trabajar en una línea muy fina en la frontera, una línea sutil entre lo novedoso y lo viejo, que a veces no siempre es visible a simple vista. ¡Pero en ocasiones ser  muy obvio es más divertido!

www.antonioazzuolo.com

‘Místicos’: ETXEBERRIA visto por Paco Peregrín

Jueves, 23 Octubre 2014

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Paco Peregrín es uno de los fotógrafos más impactantes del momento, con una estética muy plástica y personal, uno de los pocos profesionales de la fotografía española que no conoce fronteras y lo mismo te trabaja para Allure o Amica, que te exhibe su trabajo en una galería neoyorquina, o lo contrata Chanel o Diesel. Por otro lado está Roberto López Etxeberria, uno de los talentos más vanguardista de la escena de la moda nacional, reciente Premio Nacional de Moda al Nuevo Valor, un creador que ha sabido romper las barreras de los convencionalismo en la moda masculina (y la peletería) y que presentó ‘Pura piel’, su colección primavera/verano 2015, en Nueva York. Si por separado, Peregrín y Etxeberria, son impresionantes, juntos son la bomba, y hay fotos que lo demuestran…

Estas fotos que os muestran son parte de un proyecto personal de Paco Peregrín que ofrece una interpretación de la última colección de ETXEBERRIA, Pura Piel. “Fue un privilegio poder disparar en exclusiva la colección antes de que desfilara en la semana de la moda de Nueva York” me explica Paco. “Estuve en el desfile y fue muy especial vivir con el diseñador su primera presentación allí. Fue especialmente interesante ver la evolución de la colección, ya que lo que yo la disparé meses atrás sólo eran algunas prendas, el origen de la colección. Algunas prendas evolucionaron, se cambiaron, se eliminaron y otras desfilaron tal cual”.

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Exteberria me explica por su parte cómo es ver su trabajo reinterpretado desde la mirada creativa de un tercero que no tiene una vinculación con el proceso creativo de la colección. “Cuando se prestan prendas para una editorial, estas suelen mezclarse con otras de otras marcas para obtener el resultado que la revista considera idóneo. Sobre esto, nada que objetar. En nuestro caso hemos tenidos siempre la suerte de trabajar con magníficos profesionales y considero que los resultados han sido óptimos. Pero el trabajo con Paco Peregrín, tiene otro cariz. Paco planteó la sesión tan sólo con prendas de ETXEBERRIA y además de una única colección, por lo que su trabajo fue verdaderamente una ‘interpretación’ de mi colección desde su propio mundo. El resultado es espléndido y a ello contribuye no sólo su calidad como fotógrafo sino también la complicidad entre nosotros, la similitud de registros estéticos y la apuesta por el riesgo”.

Peregrín hace hincapié en el hecho de que no se trata de una campaña de publicidad al uso, sino que ha sido una labor de reinterpretación libre de la marca del diseñador, “aunque sí he trabajado como si fuera una campaña publicitaria en cuanto  a los medios, con un equipo e infraestructura muy profesional: director de arte, escenógrafo, modelos, maquilladores, etc. Ha sido una de mis más grandes producciones en las que también me ha ayudado en la producción la escuela EFTI en la que imparto clases”.

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El fotógrafo decidió convocar a una gran variedad de perfiles que dieran una personalidad propia a cada estilismo, y aportaran una imagen muy singular, ascética, y una gran dosis de misticismo que terminó por darle nombre a la serie de imágenes. “El misticismo que da título a mi serie fotográfica está en las referencias tanto en atmósfera, color, composición de las imágenes y poses y actitudes de los modelos” matiza Peregrín. “Vuelco en esta serie mucha iconografía mística y también quería reflejar eso en la mirada de los modelos”.

Otro de los implicados en este proyecto es uno de los mejores maquilladores de España, Lewis Amarante, un artista en toda regla, que nos explica qué imagen se persiguió en estas fotos. “Lo que pretendimos transmitir con el maquillaje y la peluquería es una imagen fresca, natural, sin artificios, de tal manera que cada personaje hablase de sí mismo y transmitiera su personalidad sin tener que recurrir a ningún tipo de florituras para ello. Por eso se ha trabajado el cabello de forma muy natural, siendo lo más elaborado algunos recogidos muy casuales, que dieran en todo momento la sensación de que se lo habían hecho ellos mismos. En cuanto al maquillaje y siguiendo un poco las tendencias de la próxima temporada, hemos optado por pieles muy trabajadas pero siempre con un aspecto fresco, que transmitan la sensación de no llevar maquillaje. En cuanto a la paleta de colores que hemos usado está conformada básicamente por colores nude y tonalidades muy neutras, mezclando texturas de acabados más mates para crear acentos y aportar profundidad con texturas satinadas para dar mayor luminosidad a la piel y conseguir ese aspecto de piel tersa e hidratada”.

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El resultado final espectacular, tal y como podéis ver, y bien diferente al discurso visual que se pudo ver en la presentación de esa colección en Nueva York. Ahí se demuestra que la moda es un lenguaje polisémico que admite todo tipo de recursos, de la metáfora al hipérbaton. No me resisto a preguntarle a Etxeberria sobre la experiencia neoyorquina y me responde: “Ha sido una apuesta por el crecimiento de la firma y ha resultado espléndido. El impacto del desfile entre el público asistente fue mayúsculo. La reacción a posteriori en las redes sociales ha sido, aparte de  amplísima, muy buena. Se ha resaltado en positivo la apuesta por la piel, la gama de colores y las tipologías de pantalones y camisetas. Han gustado mucho también las zapatillas y las chancletas producidas por Castañer y las joyas hechas en colaboración con la ceramista Carme Balada”.

Para que no se me quede nada en el tintero y que cada uno que ha puesto su granito de arena en este trabajo sensacional que he querido acercaros, aquí van los créditos de estas fotos:

Fotógrafo: Paco Peregrín

Estilista y Director de arte: Mario Ville (Kattaca.com)

Asistente de estilismo: Roberto Alcázar

Peluquería y Maquillaje: Lewis Amarante for Max Factor and Sebastian

Asistente de Peluquería y Maquillaje: Esther Recio

Escenografía: Leo Tortul

Modelos: Lara López, Asier Goñi, Alfonso Fuentes, David Novas, Iasonas and Theodore Theodoropoulos (UNO), Jaime M. y Jie Li (Trend), Rosario Machado, Oliver Lewis y Mario Orjales

Agradecimientos a www.efti.es

EL RESTO DE FOTOS EN FUCKING YOUNG!

Lucio Castro, diseñador bonaerense en Nueva York: “Moda ética es la que no esconde a las personas que tocan cada prenda”

Lunes, 9 Septiembre 2013

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Lucio Castro es una firma relativamente nueva, una marca de moda masculina lanzada en 2010 por el bonaerense de homónimo nombre. Su principal preocupación es crear una ropa de rasgos reales, para hombres reales, de corte ético y allure contemporáneo y práctico. Castro estaba encaminado a la medicina, estudió Medicina en la Universidad de Buenos Aires, para después cambiar totalmente de ámbito instalándose en Nueva York para estudiar dirección de cine. Pero su destino era la moda y tras estudiar en la Parsons trabajó para Marc Jacobs, DKNY Jeans o Armani Exchange. Hoy se revela como una de las voces pujantes del nuevo ‘American Style’, como se pudo comprobar en su presentación de ayer en los Milk Studios.

Tu firma es muy joven, ¿qué valoración harías de estos primeros pasos? Lo más importante fue volver a encontrarme con mi voz como diseñador después de diez años de diseñar para otras marcas.

¿Qué objetivos has cumplido y cuáles te quedan por cumplir? Me quedan muchos objetivos por cumplir, pero el más importante tal vez sea diseñar vestuarios para cine y diseñar toda una aerolínea, desde trajes de auxiliares de vuelo hasta tapizados.

Has trabajado para firmas que se pueden considerar la base del Estilo Americano minimalista (Calvin Klein, Donna Karan), ¿Con qué te sientes identificado con estas firmas y en qué puntos tu firma busca otro camino diferente? Hay algo decididamente americano en mi estilo, sobre todo en el pragmatismo y la comodidad, pero creo que mi línea también tiene un elemento latino muy grande, en el sentido de que habla desde una cierta distancia o periferia y un leve y sutil sentido del humor.

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¿Qué es para ti la ‘moda ética’? Es ropa que no esconde a las personas que tocan cada prenda. Es exponer la cadena de producción de cada prenda y estar orgulloso de cada componente del proceso.

¿Cómo es tu búsqueda de talleres y materiales alrededor del mundo? ¡Extensiva! Pero me permite viajar mucho y conocer otras culturas y la moda siempre habla de contextos y de sociedades, así que no solo los viajes sirven desde un punto de vista técnico. 

¿Y por qué la moda masculina? Era un buen lugar por donde empezar.

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Tus colecciones buscan satisfacer a un hombre “real” que quiere prendas básicas con un toque distinto. ¿Cómo definirías tu estilo? Tienen algo muy familiar pero algo desconcertante a la vez. Freud habla del sentimiento de “uncanny”, y me identifico mucho con ello. Me gusta que las prendas parezcan incluso demasiado reales pero que tengan un secreto. Y también el uso del color, al que le dedico mucho tiempo.

Estudiaste medicina, cinematografía… ¿En qué momento te decantaste por la moda y por qué? Vine a Nueva York a estudiar en Parsons y ahí me metí en la moda. Soy un cinéfilo acérrimo, veo como mínimo una película por día. El cine siempre va estar a mi lado.

Nueva York es una ciudad muy competitiva, ¿cómo te planteaste buscar tu nicho de mercado “en” y “desde” ella? Estudié y trabaje acá. Es un mercado que conozco,  mis ex-compañeros de Parsons y de trabajo son mis pares y los que forman la moda neoyorquina. Es un círculo al que, quiera o no, pertenezco.

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¿Te influye de alguna manera tu origen bonaerense a la hora de concebir tus colecciones? Creo que muchas de las películas que vi en mi adolescencia en la Sala Leopoldo Lugones del San Martin, siempre vuelven a salir a la hora de diseñar. Y ver una película ahí, cambia completamente la experiencia de ver cine. Hay algo en esas alfombras que me marcó para siempre.

¿Qué es lo que más te ha estimulado de la creación de la colección que has presentado? Los bordados adentro de las prendas que solo son disfrutados por los usuarios.

www.luciocastro.com 

Degen, una vuelta al Nueva York más loco de los 80s

Jueves, 6 Septiembre 2012

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El primer día de la New York Fashion Week, que casi siempre suele ser un día despoblado de presentaciones, casi marginal y reservado a newcomers, fue un tanto decepciónate. Revisando las propuestas que se mostraron podemos palpar el pulso de a lo que Nueva Yok se ha reducido: prendas comerciales, comodines, fondo de armario… Al menos eso es lo que deparó las colecciones de 4 Corners of a Circle, Emily Saunder o Callula Lillibelle. Nada realmente destacable.

Harina de otro costal fue lo que mostró la joven Lindsay Degen, una creadora divertida e irreverente que recupera el espíritu de la moda neoyorquina de sus locos 80, la era de los clubs y el SoHo bohemio. Su trabajo se basa en el punto, en la búsqueda de texturas y en cierta estética patchwork. Una locura que es un soplo de aire fresco ante tanto respeto a “los mercados” de la moda, que también los hay.

Que con los tiempos que corren haya diseñadores irreverentes es de agradecer.

Adrover ha vuelto… pero no el que conociamos.

Domingo, 12 Febrero 2012

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Ha vueltoooooooooo. Casi nos pilla por sorpresa, sí. Pero no, ya estábamos avisados de que Miguel Adrover volvía a renacer de sus cenizas cual ave Fénix en Teatro Latea, el mismo teatro del Lower East Side donde prensentó su colección Manaus-Chiapas-NYC, que hoy por hoy ha pasado ya a la Historia (con mayúsculas) de la moda. Y volvió un día 11, no sé cómo no le dio mal rollo, teniendo en cuenta que los atentados del 11-S jugaron un papel muy decisivo en su declive empresarial en aquella primera etapa de su carreta.  

Sí, estoy excitado por su vuelta. Adrover es al reconocimiento internacional del diseño español en los 90s lo que Sybilla fue en los 70s, salvando las distancias, claro. Y ahora que lo pienso, ¿por qué hablo de “diseño español” cuando Adrover siempre ha sido un verso suelto. De hecho creo que le debe repatear que insistamos en otorgarle el papel de buque insignia del diseño patrio. Pues nada, que me perdone, que me desdigo, que Adrover solo representa a Adrover.

Pero eso no evita que esté excitado con la vuelta de su firma después de ocho años de ausencia. Bueno, es cierto que una excitación similar a la viví hace unos años cuando Adrover reapareció en Nueva York de la mano de la firma alemana de eco-moda Hessnatur. Con motivo de su reaparición lo entrevisté para B-Guided y me resuena en la cabeza una frase que cobra sentido ahora: “La paciencia y el saber esperar son virtudes olvidadas y para mi armas de doble filo”. Bueno, sinceramente la segunda parte no lo comprendo aún… pero dejémoslo estar.

La aglomeración de primeras espadas del periodismo de moda y el estilismo en la presentación de Out of my mind, su colección otoño/invierno 2012/13 ha sido estremecedora. Se notaba que había hambre de Adrover. Y no ha defraudado, porque ha hecho lo que se esperaba de él, lo que lo encumbró: ha deconstruido ropa para recontruirla en algo totalmente diferente. Él describe este proceso como si la bodega de un avión se abriera en pleno vuelo y los equipajes de su interior cayeran en medio de la Amazonia y el pueblo Yanomami adoptara la ropa que fuera en su interior para su uso personal y a su manera. A mí el resultado de esta colección me ha dejado un poco frío, porque si bien se basa en los mismos principios que aquellos vestidos creados a partir de trenchs de Burberry despiezados que lo catapultaron a la fama, lo que presentó ayer adolece de estructuración, de elaboración… no hay trabajo de diseñador. Por mucho que quiera, Anna Wintour no encontrará justificación para sacar esta colección en las páginas de Vogue en esta ocasión. Pero si lo que Adrover intentaba era presentar un punto de reflexión sobre el consumismo salvaje que opera en el mundo de la moda sí creo que es la colección adecuada para servir de revulsivo. 

En una entrevista que ha otorgado a WWD estos últimos días decía: “Un día, abrí mi armario, ví mi ropa y casi me puse a llorar. Después de haber estado con mis amigos de Cuba y Egipto, felices con apenas nada, me sentí triste. Tenía demasiadas cosas. Y me dije, me niego a comprar telas, me niego a utilizar las máquinas de coser y me niego a hacer patrones. Tengo que encontrar una manera de trabajar diferente y hacer algo nuevo. La moda tiene que cambiar“. 

Bueno, a mí también me entró ganas de llorar al ver esta colección. Pero él más feliz que un rucho salió a saludar con su melena suelta tocado por una pluma cual indio navajo más que como Yanonami.

Nueva York en clave masculina

Viernes, 9 Septiembre 2011

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Nueva York comenzó. Desde el miércoles estamos conociendo las nuevas propuestas para la primavera/verano 2012 de mano de los diseñadores que se dan cita en la Gran Manzana. Entre lo que deparó el primer día quiero destacar tres propuestas masculina. Ello no quiere decir que no me parecieran interesantes las colecciones para mujer presentadas, de las que me sedujo especialmente el look de ‘club de campo chic’ de Jenni Kayne, así lo denominó la diseñadora, al que le encuentro un allure sureño bien marcado (arriba a la derecha); y las relajadas piezas de Rachel Comey con paisajes estampados de la artista Rosemarie Auberson (arriba a la izquierda).

Pasando ya a las propuestas masculinas debo confesar que me gustó el trabajo que Garry Martin hace para DKNY. La colección se presentó en el edificio del Nasdaq MarketSite, muy coherente con el tono sastre que han imprimido a la propuesta, muy pensada para nuevos financiero, una nueva generación de yuppies que quieran comerse al mundo… o al menos lo que haya dejado la generación anterior. Una sastrería muy relajada completada con la parte menos formal de la colección, igualmente limpia en su concepción.

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Tim Coppens, del que os hablaba no hace mucho, vuelve a la carga con su peculiar mezcla del sportwear y la sastrería formal, una fusión que a pesar de su concepto vanguardista no raya a la vista y puede ser llevada por todo tipo de hombres de todas las edades. Lo más rupturista de esta propuesta son las chaquetas faquir con estampado que nos recuerdan al de las alfombras persas. Por lo general, una excelente selección de piezas que bien podrían ser fondo de armario, ¿por qué no?

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Y de Tim a Tim: Tim Hamilton por su parte se decantó por un estilo más ecléctico, a ratos chandalero, a ratos grounge, pero siempre urbanita y minimalista. Aunque la colección fue presentada a partes igual sobre el cuerpo de chicos y chicas, lo cierto es el una gran parte de ella tenía un claro matiz unisex (tirando a masculino).

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NY 9/2/11 - Nomadismo y prendas con historia

Viernes, 11 Febrero 2011

Ayer empezaron las carreras en Nueva York, una especie de yincana para asistir a los desfiles más interesantes que están programados hasta el día 17. Como en la temporada pasada, voy a poner mi mirada en aquellas colecciones que tienen menos cobertura mediática, no sólo por mi espíritu de justiciero enmascarado, sino porque a la postre me siento ridículo repitiendo una y otra vez topicazos sobre diseñadores que temporada tras temporada nos sorprenden poco. Empecemos con…

GILDED AGE

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Ropa como la de antaño. En serio. Esta firma se propuso darle un toque vintage a todo lo que produce y la verdad es que visualmente no puede ser más acertado. Esto de la ropa envejecida está muy en boga, las prendas con imagen de haber sido  ‘vividas’ se está imponiendo con fuerza. En Gilded Age se usa maquinaria de confección como la de antaño, tratamientos antiguos, algodón 100% orgánico, usan índigo natura para teñir la ropa…

GARY GRAHAM

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La colección de Gary Graham se regodea en su vertiente más bohemia, rescatando prendas muy años 70 y étnicas, como túnicas beduinas o el punto que usaban los pastores ucranianos. La trashumancia y el nomadismo puede leerse entre líneas en la propuesta estética de Graham que nos deja la retina impactada con unos looks abigarrados e hipnóticos y nos recuerda que la influencia de la moda urbana no siempre está en las grandes ciudades.

Karen Bizer, diseñadora de joyas: “me interesan los detalles invisibles que sólo pueden disfrutar los dueños de las joyas”

Mircoles, 28 Julio 2010

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Soy muy fan de la alta joyería norteamericana, porque mantiene un fino equilibrio entre la comercialidad, el lujo y el arte… y porque no ha sucumbido a la destructora influencia del minimalismo artístico de muchos diseñadores de joyas europeos (y en especial españoles). Un buen ejemplo de lo que quiero exponer es Karen Bizer, que me fue descubierta por una colega editora que ha viajado recientemente a Nueva York y traía en su móvil algunas fotos de su piezas (los casi 5.000 dólares del anillo que me mostraba lo hacían inaccesible a su plan de shopping neoyorkino). Karen Bizer viene del mundo editorial, en los 80s trabajó en WWD y la revista W, y si nos atenemos ala experiencia, la gente que ha pasado por el mundo editorial suelen ser magníficos diseñadores (véase Vera Wang). Así que no podía menos que ponerme en contacto con ella y profundizar sobre su universo creativo.¿Cómo nace en ti el interés por la joyería? Mi interés por la joyería viene como una consecuencia natural de mi interés de siempre por la moda y mi amor al arte y su historia.

¿Tu paso por el mundo editorial (de moda) te es útil en tu nueva faceta? Mi experiencia en la moda ha sido muy útil diseñando joyas porque me ha proporcionado bastantes conocimientos sobre diseño de joyas e historia de la joyería. También me ha sido útil para poder editar mi propia colección y trabajar todas esas ideas que es necesario sopesar en el proceso que te lleva a tomar las decisiones finales sobre qué incluir y qué no en la colección.

¿Con qué piedras o gemas trabajas más a gusto? Mis piedras favoritas incluyen los ópalos, el chrysoprase, los granates mandarin y demantoid, la turmalina de Paraiba y, por supuesto, los diamantes.

¿Y tus influencias más directas? Me interesa el oro tradicional de alto quilataje y las técnicas de orfebrería, así como las joyas antiguas del siglo XX, en particular el periodo Art Decó.

¿Cómo es el proceso de diseño de una joya? ¿Empiezas a partir de una piedra determinada o tienes la idea del diseño en la cabeza y buscas la piedra que se ajuste a ella? Suelo comenzar por los materiales, una piedra de color, por ejemplo, que sirve de inspiración para el siguiente paso del proceso de diseño, el borrador que termina convirtiéndose en el boceto de trabajo que marca la producción.

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¿Qué te inspira a la hora de diseñar? A mí me inspira el buen diseño, ya sea el trabajo de forja de una reja de hierro de Central Park o las sensuales y suaves curvas de un coche antiguo.

¿De qué pieza o piezas te siente especialmente satisfecha? De lo que más estoy orgullosa es del diseño y la complejidad de mis anillos. Cada detalle ha sido, creo, considerado con acierto, desde la parte interna del anillo grabada con un signo de la buena suerte, a las paredes que son talladas a mano y a veces llevan un micro-paveé de diamantes. Estoy especialmente orgullosa de esos  aspectos que dan placer sólo a sus portadores, cosas que nadie más nota o repara en ello.

Signos de la buena suerte ocultos en los anillos… ¿es importante para ti la parte ‘espiritual’ de las joyas? Sí, me gustan los signos de la buena suerte. ¿Quién puede resistirse a la buena suerte?

Cuando realizas piezas a medida por encargo, ¿los clientes tienen claro lo que quieres o te dejan libertad creativa? No, ellos no suelen venir con una idea clara. Es un proceso que comprende mucha comunicación entre el cliente y tú y una pizca de psicología.

www.karenbizerfinejewelry.com

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Las chicas son guerreras en Nueva York

Martes, 16 Febrero 2010

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Nueva York es una dinamo que nunca para. Cada temporada una larga lista de nombres nuevos se hacen hueco en el altamente competitivo calendario de la New York Fashion Week. Nombres que tiene muy claro que esto no va de llegar y besar el santo, sino que ‘estar’ no es lo mismo que atraer la atención del sector. Conseguir que a tu desfile vayan primeras figuras del periodismo y representantes de las publicaciones más importantes es una ardua tarea de años que no llega siempre a buen puerto. Tienes que tener un buen relaciones públicas, debes mantener una intensa actividad que haga tu nombre como diseñador interesante, debes fomentar la amistad con los editores de moda… y puede que algún día se monte un revuelo cuando Anna Wintour pise el espacio que has elegido para mostrar tu colección.

Como uno no es Anna Wintour y no se hace tanto de rogar, está ojo avizor de los nuevos nombres que Nueva York atrae, y hoy voy a compartir con vosotros alguna gente a la que le auguro un futuro prometedor… ahora bien, que se terminen cumpliendo mis augurios lo dejo en las manos de los diseñadores.

Empecemos por Kimberly Ovitz, que en verdad mostró su ropa dos días antes de que diera comienzo la semana de la moda, movimiento muy inteligente por su parte, porque es más fácil atraer a la prensa aburrida y ansiosa cuando nadie más desfila que cuando tienes que competir con Carolina Herrera o Zac Posen. Esta californiana de 27 años lanzó su marca en la primavera de 2009, pero no es una recién llegada porque con tan solo 14 años ya consiguió su primera práctica en una firma de moda, J.Crew, después pasaría por las revistas W y Harper’s Bazaar y por el estudio del desaparecido fotógrafo Herb Ritts. También estuvo al lado de Karl Lagerfeld en Chanel y a su vuelta a Los Ángeles entró a formar parte del equipo de diseño de Tara Subkoff en la firma de culto Imitation of Christ… y muchas otras cosas que la envalentonaron para sacar su propia colección. Está colección su cuarta colección, la segunda mostrada en Nueva York, y se ha inspirado en las fotos de los anuarios de su alma mater, Brown University, de 1898 y 1930, pero dándole un giro radical hacia el futurismo de The Matrix.

Abigail Lorick (Lorick New York) es otro nombre que se está haciendo a fuego lento. Con 18 años esta joven de Florida cruzó el atlántico para trabajar como modelo en las pasarelas de París y Milán, la moda era su pasión y no pensaba que la claustrofóbica sociedad sureña se la frustrara. En 2003 se traslada a Nueva York para estudiar en la Fashion Institute of Technology y para 2004 ya estaba diseñando toda la colección de la firma T.S.Dixin. Su firma con su propio nombre debutó en al primavera de 2007. Me gusta en especial su toque retro y la selección de texturas en sus diseños. Aún necesita refinarse estéticamente pero promete.

Directa de la sexta edición del reality Project Runaway nos llega Irina Shabayeva, una georgiana criada en Brooklyn, que tiene un sentido estético muy teatral y espectacular. Esta su primera colección tras Project Runaway tiene como centro de inspiración los pájaros, donde no faltan las prumas, ni reales ni pintadas. Pero hay que destacar el uso que hace de las pieles, porque mientras estudiaba en la Parsons ganó el prestigioso premio Saga Design Award que le posibilitó estudiar diseño en pieles en Dinamarca.

Son jóvenes, están preparadas, tienen estilo… ¿el futuro de la moda está en manos de las mujeres?

Spurr: un estilo muy americano (pero él es inglés)

Martes, 15 Septiembre 2009

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No puedo abstraerme de Nueva York.  Desde que ha empezado me llueven los mails con imágenes de lo que se está presentando. Una vez más voy a ignorar lo que se va a mostrar en todos los medios y voy a tratar de dar luz a propuestas interesantes que no tienen cobertura mediatica en España.

En concreto me gustaría mostrar la colección de SPURR. Sí, suena a niño chicho que espurrea la papilla en la cara de su madre/padre, pero la verdad es que es el apellido de un diseñador que ha sido todo un descubrimiento para mí.

La colección para la primavera 2010 de Simon Spurr es un estudio de la silueta tradiciona, de cortes limpios, donde el uso del color tiene un papel destacado. Hay sutiles toques años 60 y 70 que reflejan que ha tomado inspiración de las fotografías vintage de Helmut Newton. Esta temporada Helmut Newton es tendencia en la moda femenina, con sus amazonas de curo negro que viajan en el límite entre el cine negro y el mundo de la dominación sexual. Sin embargo los hombres Newton son sibaritas refinados, un poco gigolós, un tanto vividores, y un mucho aristócratas de la vieja Europa. Y todo eso lo ha sabido recoger Spurr en esta colección correctísima y elegante. Refinamiento y romanticismo (nada ñoño).

Simon Spurr es inglés, nacido en 1974, a mi juicio una añada de creativos inmejorable (yo nací en el 74). La visión comercial de sus colecciones no es gratuita, sino resultado de 12 años en el sector formándose en firmas como Calvin Klein, Ralph Lauren Purple Label o Yves Saint Laurent de la mano de Hedi Slimane. Debutó en solitario en 2006 y su prestigio se ha ido consolidando poco a poco, hasta este año en que ha sido semifinalista este año en el Ecco Domani Fashion Fundation Award para diseñadores de moda masculina.

La idiosincrasia Spurr es muy americana. La moda masculina americana tiene una personalidad muy propia. Mientras que el estilo italiano es muy sartorial y lujoso, y el francés es chic y ultramoderno… los americanos mantienen los pies en el suelo. Quieren un traje que atraiga las miradas pero solo de admiración, no quieren que se cuestione su elección. Buscan lujo pero dentro de la ponibilidad diaria. Esto es porque Nueva York es una ciudad trepidante en la que seguramente vayas a los clubs desde el trabajo sin pasar por casa para cambiarte. Buscan un uniforme all-whole-day  (para todo el día). Yo en ese sentido soy muy ‘americano’.

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